PRENSA














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Diego Masi, today in Opera Gallery Beirut. La cabeza de vaca al fondo: Untitled (Cow wallpaper), 1989, Andy Warhol (1928 - 1987) y enfrentado al escultor francés contemporáneo Richard Orlinski. También en la exhibición: Alexander Calder , David Mach, Yue Minjun , Damien Hirst, Liu Dao, Joe Black, Jeff Koons, Richard Orlinski, Kossi Aguessy, Mauro Corda, entre otros…















AGENCIA EFE 
/ DIEGO MASI / 3a Bienal de Montevideo / 2016 / Flashlight 

video



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Zero Hora de Porto Alegre, Brasil.























































TITLE: "GEOMETRICO RG503"
SIZE: 158 cm. x 158 cm. / 62 "X 62"
TECHNIQUE: acrylic painting on canvas
YEAR: 2015

TITLE: "GEOMETRICO BM504"
SIZE: 158 cm. x 158 cm. / 62 "X 62"
TECHNIQUE: acrylic painting on canvas
YEAR: 2015







Imagen temporal. 
Bienal Internacional de Asunción.

Plaza Uruguaya. 1 al 31 de Octubre de 2015 




http://www.abc.com.py/edicion-impresa/artes-espectaculos/nuevas-miradas-a-la-ciudad-de-asuncion-1418165.html










http://www.revistaplus.com.py/diego-masi-y-su-intervencion-luminica-y-sonora/








Revista Paula, Montevideo, Julio 2015.














Diciembre de 2014, Galería Marta Traba - Memorial da América Latina, Sao Paulo, Brasil.






http://arte.elpais.com.uy/gestos-de-aparente-simplicidad/#.VDbCHfl5Ozx






SOA, Arte Contemporáneo, Feria Ch.ACO 14, Santiago de Chile.










GALERÍA ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO Feria ParC 14, MAC, Lima. 





http://www.artfornews.com/geometrico-del-artista-uruguayo-diego-masi-en-la-galeria-enlace-arte-contemporaneo








http://www.buenosairesabc.com.ar/2014/03/geometrico-del-artista-uruguayo-diego.html








http://guiadeartelima.com/2014_04_agenda_enlace-arte-contemporaneo-geometrico-diego-masi.html






http://arte.elpais.com.uy/geometrico-diego-masi-expone-en-lima/#.U1bdgvl5PX4









OPERA GALLERY, GENEVA. 
Presented in Geneva until the 21st December 2013, "In Black & White" features works by Henri Matisse, Marc Chagall, Pablo Picasso, bernard buffet, Fernando Botero, Alexander Calder, Pierre Soulages, Lucio Fontana, Umberto Mariani, Lee Ufan, Antonio Saura, Yan Pei-Ming, Zhang Xiaogang, Stephane Graff, Keith Haring, Robert Longo Artwork, Julian OPIE, Gérard RANCINAN, Mauro Corda, Marc Quinn, Murat Pulat, Reza Derakshani, Mohamed El Baz, Kazuki Takamatsu, Umberto Ciceri, SEEN, Blek Le Rat, Wang Yehan, Eduardo Guelfenbein and Diego Masi.
CATALOGUE: http://www.operagallery.com/media/232.pdf

























10-abr-2013
La Colección de Arte del BID se une al Google Art Project
El Banco Interamericano de Desarrollo (BID) anunció hoy su ingreso al Google Art 
La Colección de Arte del BID ha sido adquirida a lo largo de las últimas cinco décadas, creando un espacio en el que artistas representativos de América Latina y el Caribe pueden ser apreciados en conjunto con trabajos de artistas reconocidos de otras partes del mundo. La Colección es administrada por el Centro Cultural BID y personifica la misión del Banco de invertir en el desarrollo cultural y artístico de la región.
Cien de las más de 1.700 obras de arte de la Colección de Arte del BID fueron seleccionadas para sumarse al Google Art Project. La resolución de estas imágenes, combinada con una herramienta de acercamiento especial, permite a los amantes del arte apreciar detalles minúsculos de las pinturas como nunca antes.




LINKhttp://www.googleartproject.com/collection/inter-american-development-bank/artwork/ascendente-geometrico-diego-masi/32643178/
















Ansan Arts Center, Ansan, Gyeonggi, Korea, 2013.














Galería SOA, ChAco Art faire, Centro Cultural Mapocho, Santiago de Chile, Chile, 2013.
































http://www.gpsmycity.com/tours/east-san-juan-walking-tour-3948.html
















EAC, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Marzo de 2013.

























Galeria SOA. Feria de Arte Contemporáneo Santiago de Chile, 2012. 
















http://www.gulf-daily-news.com/source/XXXIII/311/pdf/page03.pdf



























http://www.timeoutsingapore.com/art/events/latin-american-art









LINK: http://es.scribd.com/doc/87012304/The-Pocket-Arts-Guide-Apr-2012















Artspicks contemporary art magazine of Seoul:





























http://www.bfharbour.com/mediacentre/newsletters/1st%20quarter%202011.pdf










A rare chance for art lovers






Guests explore the gallery featuring some of Dali’s famous bronze sculpture


THERE are only three days left to see artwork by some of the world’s most famous artists, 
worth a combined value of $16 million (BD6m).
The rare opportunity to view sculptures by Salvador Dali and significant pieces by Arman, Fernando Botero, Pablo Picasso, Renoir, Diego Masi and Parviz Tanavoli ends on Wednesday.
The once-in-a-lifetime exhibition has been open to the public since Friday in a new gallery at the 
Bahrain Financial Harbour (BFH).
It is the first time work by these artists has been showcased in Bahrain and organisers hope the 
exhibition will raise the cultural profile of BFH, as well as help educate people about art.
The jewelled sculptures by Dali alone are valued at $9.5m (BD3.5m).
The exhibition is being held in collaboration with Opera Gallery, a network of 11 leading galleries located in the world’s art capitals like Paris, London and New York. 
It is taking place at the BFH’s Fine Art Gallery in the West Atrium of the Harbour Towers and is open to all, free of charge, from 10am to 8pm daily.
“It is a matter of national pride to contribute to the art and cultural progress of the kingdom,” said Bahrain Financial 
Harbour Holding Company managing director Dr Omar Al Mardi.
“I would like to welcome all art enthusiasts and urge them not to miss out on this rare opportunity and make it a point to attend the Opera Gallery Exhibition.
“We recognise the necessity in supporting art and cultural activities in Bahrain and have established this gallery as a platform for our own artistic initiatives.










http://www.gulf-daily-news.com/source/XXXIII/229/pdf/page14.pdf












http://www.artbahrain.org/archives/mar2011/artnews_review_mar.php






http://arte.elpais.com.uy/diego-masi-sobre-su-envio-a-la-bienal-siart






Revista BLA Agosto 2011



El marco del silencio

La obra de Diego Masi es producto de un extenso recorrido e investigación en el campo de
la producción audiovisual.
Su obra exige un tipo de atención particular, tanto en lo formal de su definición pictórica
como en otros tipos de proyecto que remiten a complejas instalaciones o proyectos de
intervención urbana que han marcado una nueva forma de ver y de hacer arte en la ciudad.
Su pintura es un campo de fuerzas, sometidas al contraste permanente de negros y blancos,
logrando planos múltiples con perspectivas que se pierden en espirales y recovecos.
En ese proceso la obra cobra un tipo de fisonomía particular, cada capa de pintura se combina
en múltiples movimientos y el ojo se prepara para capturar lo que el artista propone como
dispositivo de acción en el plano, un interminable ejercicio especular, que sometido a guiarse
por la superposición de zonas que contrastan y se elevan desde el plano.
Este movimiento parece en ocasiones dar vida a personajes de amorfas proporciones que
resultan de una concentrada y profunda ironía. Masi propone en esta exhibición un encuentro
con este mundo de seres extraños que se derraman sobre un fondo blanco impoluto.
Es desde allí que se materializa parte de la obra que el artista presenta, cuando propone
intervenir el ventanal de la sala con un artefacto cuya funcionalidad hace que largos cables
negros pendan como líneas sobre el plano y solo se muevan cuando el público que transita
la sala se acerca a la serie de hilos. El movimiento se percibe solo desde la visualidad, no
existe otro tipo de síntoma que alerte sobre el acontecimiento.
El artista acciona un dispositivo que va más allá de la línea y el punto sobre el plano y el
componente cinético de la obra, Masi logra convocar parte del mundo que instala en el
lienzo a través de una técnica magistral y genera artefactos que siguen el ritmo de su pintura
hacia lo tridimensional.
El silencio en su obra es el marco donde operan las fuerzas que surgen desde la mirada del
Otro, ese Otro que compromete su movilidad y pasa a ser parte del espacio real de juego
y la reproducción de los sentidos puesta en el disfrute y perturbación de la obra de arte.

Lic. Jacqueline Lacasa.
Crítica de arte, curadora, artista y ex directora del Museo Nacional de Artes Visuales.
Junio de 2011.











Sus pinturas se caracterizan por alcanzar un mundo subjetivo que
se entrecruza con una peculiar voluntad geométrica, valiéndose además de una paleta limitada a los blancos y negros. Estos elementos deberían llevar a un distanciamiento, a una obra rígida, formalizada y mecánica; sin embargo Masi logra desterrar de sus cuadros esa previsible frialdad y alcanza un producto al que insume una notable capacidad emotiva, creando formas tiernas y luminosas que viven en una atmósfera lúdica que presenta incluso claras notas de gozo y humor.

ÁNGEL KALEMBERG
Crítico de arte y ex director del Museo Nacional de Artes Visuales.

















Diego Masi
In black and white

Every artistic creation has an origin, a trigger that has been born within or outside the artist, in the atmosphere around him, in the material he works with or in other and multiple situations and possibilities. Such initial inspiration, being the first step that leads the further process of shaping and depuration which gives place to the final piece, represents an unattainable process, which is hard to control.


Consequently, a rigorous working discipline, a permanent search and an incessant and tireless experimentation are required. Undoubtedly, when the artist finds his own trend, a path of work to maximise a style –with the connotations that this term implies-, identifiable as his own, is when the personality of both the work of art and of the artist himself is being forged, and it is also when the rough seam from where he takes the precious substance for his work is discovered.


Such is the case of Diego Masi (1965), who creates a work departing from the game of the shapes –usually three-dimensional-, the surfaces of which are dressed up and defined in black and white drawings. This superficial mosaic, these two basic colours are the key of his works: they cut the shape of the background; they define the surface and therefore, the volume. They explain the shape when it reaches an entangling and baroque development and they also ensure the perception of the object when the relation of the scale with the background is deliberately disproportionate, a recurrent resource used by Masi. By doing so, the artist is released from the configuration of the object and moves naturally from a figurative image (such as his cows) to free shapes, with a larger or minor geometric attachment. Thus, intriguing objects are created, the first reading of which is clearly plastic as it is imposed as such by the vigour of the image, but they also invite to construct free and formal associations that institute visual relationships, belongings –so to say- with some particular families which have animal or vegetal characteristics.


Likewise, the work on architecture or on other authors’ works manage, by means of this instrument, to give the works the possibility of a dual reading between the pre-existent pillar and the artist’s gesture, in order to recreate a new plastic fact. The two most widely known performances (also polemic and ephemeral) made by him, the white spots on the columns on the main facade of the «Solís» theatre and on Belloni’s monument «El Entrevero» evidence how moving and striking the application of a simple visual texture might be. His technical command (basically the work with airbrush) has been essential for the soundness of the plastic outcomes that have made him renowned not only in the institutional field but also among the private collectors in Uruguay and in several foreign countries. Masi has not yet exhausted neither the search nor the experimentation of his personal style, as it is shown by his last works, both in pictures in easel and in three-dimensional pillars or in the different instances of his performances, and he finds new applications and evolutional possibilities in his daily work.


Eduardo Folle-Chavannes
Extracted from Magazine «Elarqa» Nr 48, October 2004, from section «Elojo»


Diego Masi is graduated from the National School of Fine Arts, where he studied in Luis Ernesto Aroztegui Workshop from 1987 to 1993. The main awards achieved by him are: *1994: First Award, VI National Show of Young Plastic Artists, *1995: First Award, Contest «100 years of the Venice Art Biennale», organized by Newspaper «El País», *1996: First Award, IV Salto Art Biennale, *1997: First Award, Contest BHU, a B’Nai B’Rith Foundation Award, an Award and Work Acquisition in the VII Salto Art Biennale, an Award and Work Acquisition in the First Art Biennale, «Club Atlético Peñarol», and a Mention in the Seventh Chandon Biennale, Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina.

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Diego Masi
En blanco y negro
Toda creación artística tiene un origen, un disparador nacido dentro o fuera del artista, en el ambiente que lo rodea, en el material con el que trabaja o en múltiples otras situaciones y posibilidades. Esta inspiración inicial siendo como es el arranque que guía el proceso posterior de moldeo y depuración que da lugar a la pieza final, no deja de representar una instancia inasible y poco controlable.
Por ello, es necesaria una disciplina de trabajo rigurosa, una permanente búsqueda y una incesante e infatigable experimentación. Sin duda, cuando el artista encuentra un camino propio, una línea de trabajo para potenciar un -con la salvedad que el término impone- estilo que le es identificable, es cuando comienza a forjarse la personalidad tanto de la obra como del artista y es cuando se descubre la veta cruda de donde extraer la preciosa materia para el trabajo.
Tal es el caso de Diego Masi (1965) quien genera una obra a partir del juego de formas -generalmente tridimensionales- cuyas superficies se visten y se definen con motivos en blanco y negro. Este mosaico superficial, esta bicromía básica es la clave de sus piezas: recortan la figura del fondo, definen la superficie y por lo tanto el volumen, explican la forma cuando esta adquiere un desarrollo intrincadamente barroco y también aseguran la percepción del objeto cuando la relación de escala con el fondo es intencionalmente desproporcionada, recurso recurrente en Masi. Con ello, el artista se libera de la configuración del objeto y pasa con naturalidad de una imagen figurativa (como sus vacas) a formas libres con un mayor o menor apego geométrico. Así son creados objetos intrigantes cuya primera lectura es netamente plástica porque así lo impone lo categórico de la imagen pero que invitan además a construir libres asociaciones formales estableciendo parentescos visuales, pertenencias por así decirlo, a determinadas familias de impronta animal o vegetal.
Asimismo, las intervenciones sobre arquitectura u obras de otros autores consiguen mediante este instrumento posibilitar la doble lectura entre el soporte preexistente y el gesto del artista, para recrear un nuevo hecho plástico. Sus dos intervenciones más divulgadas (y polémicas, y efímeras) como lo fueron la inclusión de lunares blancos sobre las columnas de la fachada principal del teatro Solís y sobre el monumento El Entrevero de Belloni dan cuenta de lo efectivo e impactante que puede resultar la aplicación de una simple textura visual.
El dominio técnico (básicamente el trabajo con aerógrafo) ha sido determinante para la solidez de los resultados plásticos que le han valido el reconocimiento a nivel institucional y de coleccionistas privados en el Uruguay y en varios países fuera de fronteras.
Masi no ha agotado ni la búsqueda ni la experimentación de su estilo personal como así lo demuestran sus últimas obras tanto en cuadros de caballete como en soportes tridimensionales o en las diferentes instancias de sus intervenciones y encuentra en el trabajo diario nuevas aplicaciones y posibilidades evolutivas del mismo.




Eduardo Folle-Chavannes
Tomado de revista Elarqa Nº 48 octubre 2004, separata Elojo.




Diego Masi es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde se formó en el Taller Luis Ernesto Aroztegui donde estudió entre 1987 y 1993. Los principales premios obtenidos son: en 1994 el Primer Premio de la VI Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes, en 1995 el Primer Premio del concurso El País 100 años de la Bienal de Venecia, en 1996 Premio en la IV Bienal de Salto, en 1997 el Primer Premio concurso BHU, el Premio de la Fundación B´Nai B´Rith, el Premio Adquisición de la VII Bienal de Salto, el Premio Adquisición de la Primera Bienal de Arte C.A. Peñarol y una Mención en la Séptima Bienal Chandon, Palais de Glace en Buenos.Aires, Argentina.














latin americaopera gallerycontemporary art by Clarissa Tan, The Business Times|03 May 2009
Colourful art to lift spirits in these gloomy times



Sliding stock markets, gloomy economic forecasts, possible pandemics - it really is time to bring on the sun. Vivid, colourful and exuberant, an exhibition of Latin American contemporary art may be just what the doctor ordered to brighten our drab horizons.
Exuberant works: Botero's monumental US$1.4 million 'Ballerini' is a sculpture that flaunts solidity and rhythm.
True, few could afford the monumental US$1.4 million Fernando Botero sculpture that's currently standing in the courtyard of Robertson Quay, part of the Opera Gallery show that opened last week.
But just looking at the two giant, graceful dancing figures, their hands clasped in dignified and joyous wonderment, could put the sway back in anyone's step. Called Ballerini, the sculpture flaunts solidity and rhythm, an imperturbable cadence that may serve us well at this time.
"These talented artists create art from the heart with an energy for life that can be very contagious. They are refreshing and exciting, and this is something that I feel people appreciate now more than ever."
Stephane Le Pelletier, Asia-Pacific director of the Opera Gallery
Then there are the works of Romero Britto, where the worlds of art, whimsy and commerce collide. The Brazilian artist has delighted children, adults and corporations alike for two decades now with his bright, distinct paintings and lacquered sculptures. His pieces bear a certain facile Hello-Kittyness that may unnerve some, but there's no denying that this artist walks resolutely on the sunny side of the street.
'These talented artists create art from the heart with an energy for life that can be very contagious,' said Stephane Le Pelletier, Asia-Pacific director of the Opera Gallery. 'They are refreshing and exciting, and this is something that I feel people appreciate now more than ever.'
He said the gallery had been receiving many requests from its clients for South American contemporary art. 'We thought it would be appropriate to satisfy these demands, especially during these uncertain times.'
The exhibition, called Evolution: The Emergence of Latin American Contemporary Art, not only displays well-established names such as Botero, Britto and Antonio Segui, but lesser-known ones such as Ahmed Gomez, Ruben Berland, Diego Masi and Federico Uribe.
'Evolution aims to reflect the diversity, individuality and universality of Latin American artists,' said Mr Le Pelletier. 'The similarity that binds them is the rich culture that these artists share. They come from Colombia, Brazil, Argentina, Chile, Cuba and Uruguay - exciting countries with rich but often complicated histories, and each artist brings with them a voice filled with ideas and attitudes.'
'Attitude' is certainly a good word to describe the works of Uribe, who constructs his huge paintings - or are they sculptures? - out of colour pencils. His Tiger has to be seen to be believed; as a printed image in the catalogue, it looks two-dimensional like any other painting, but when you gaze at the actual work itself, you realise that the depiction of a wild cat in a jungle is composed of pencils poked into the canvas, or backing, of the 1.83 x 1.22 m picture.
The pencils are cut off at varying lengths to give an uneven, jagged relief, while their different coloured lead ends provide the picture with its shadings and hues. It's startling, all right, and Uribe's works have a savage quality accentuated by his subject matter. The Colombian's sculptures of human torsos, for example, which can be made out of pencils as well as jigsaw-puzzle pieces, have a punk, Amazonian air.
Another highly original artist is the Uruguay-born Masi, whose large oil studies of bovine-like creatures are both striking and slightly disturbing. Whereas Uribe seeks to make his paintings as three-dimensional as possible, Masi explores how to give volume and depth to objects - in this case vague forms of black-and-white cows - while keeping to a flat surface. His writhing shapes twist and turn until they become at once abstract and endomorphic, lifeless yet animal-like.
Perhaps the best antidote for our troubled times are the works of the Argentine master Segui. Segui paints man in urban settings, the humble homo sapiens weaving his way through a crowd, navigating the maze of junctions, crossroads, traffic lights and skyscrapers of modern life. Across the years, Segui has come to give the many manifestations of his Everyman a single name - Senor Gustavo, the anti-hero who has to deal with all the horrors and sameness of the industrialised world.
Segui demonstrates that, besides flamboyance and flair, Latin American art - in so far as one can categorise these things - is also a tremendous fount of wit and intellect. Gustavo may sometimes look like a prisoner of the city, but Segui has also depicted him more light-heartedly, as a placid soul constantly getting out of scrapes. Gustavo's constant reappearance is itself a kind of victory, a blithe and free-spirited triumph over all circumstances. Unhurried, un-harried, he moves on.
'Evolution: The Emergence of Latin American Contemporary Art' is on at Opera Gallery from now till May 17.
This article was first published in The Business Times.












2000 Primer Premio Uruguay, ArteBA, Argentina.















Art Shanghai 2007


















Revista galería 2005


















12/11/2010



:: Diego Masi ::



Sin duda, cuando el artista encuentra un camino propio, una línea de trabajo para potenciar un estilo que le es identificable, es cuando comienza a forjarse la personalidad tanto de la obra como del artista y es cuando se descubre la veta cruda de donde extraer la preciosa materia para el trabajo.

Tal es el caso de Diego Masi (1965) quien genera una obra a partir del juego de formas -generalmente tridimensionales- cuyas superficies se visten y se definen con motivos en blanco y negro. Este mosaico superficial, esta bicromía básica es la clave de sus piezas: recortan la figura del fondo, definen la superficie y por lo tanto el volumen, explican la forma cuando esta adquiere un desarrollo intrincadamente barroco y también aseguran la percepción del objeto cuando la relación de escala con el fondo es intencionalmente desproporcionada, recurso recurrente en Masi. Con ello, el artista se libera de la configuración del objeto y pasa con naturalidad de una imagen figurativa (como sus vacas) a formas libres con un mayor o menor apego geométrico. Así son creados objetos intrigantes cuya primera lectura es netamente plástica porque así lo impone lo categórico de la imagen pero que invitan además a construir libres asociaciones formales estableciendo parentescos visuales, pertenencias por así decirlo, a determinadas familias de impronta animal o vegetal.

Asimismo, las intervenciones sobre arquitectura u obras de otros autores consiguen mediante este instrumento posibilitar la doble lectura entre el soporte preexistente y el gesto del artista, para recrear un nuevo hecho plástico. Sus dos intervenciones más divulgadas (y polémicas, y efímeras) como lo fueron la inclusión de lunares blancos sobre las columnas de la fachada principal del teatro Solís y sobre el monumento El Entrevero de Belloni dan cuenta de lo efectivo e impactante que puede resultar la aplicación de una simple textura visual.



Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde se formó en el Taller Luis Ernesto Aroztegui donde estudió entre 1987 y 1993. Los principales premios obtenidos son: en 1994 el Primer Premio de la VI Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes, en 1995 el Primer Premio del concurso El País 100 años de la Bienal de Venecia, en 1996 Premio en la IV Bienal de Salto, en 1997 el Primer Premio concurso BHU, el Premio de la Fundación B´Nai B´Rith, el Premio Adquisición de la VII Bienal de Salto, el Premio Adquisición de la Primera Bienal de Arte C.A. Peñarol y una Mención en la Séptima Bienal Chandon, Palais de Glace en Buenos.Aires, Argentina (Diego masi web).

La obra de Diego Masi me di cuenta que la conozco hace muchisimo tiempo, me acuerdo de hace años tener una cuadernola con un diseño suyo en la tapa, o haberme cruzado con el monumento "a puntitos", también hace poquito vi una obra suya en la inauguración del nuevo EAC, el artista es una persona muy amable que enseguida accedió a la incitación de participar en este cuestionario, aquí van sus respuestas:

1. Decinos tu nombre y tu edad??

Diego Masi 45 años

2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?

En Montevideo al egresar de la Escuela de Bellas Artes me sentí más seguro en el arte, el pasaje por el taller de Ernesto Aroztegui fue fundamental.

3. ¿Por qué creas arte?

Es un tema pasional y de comunicación que me da satisfacción.



4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?

Mmmm la fama y la gloria y todo eso en el Uruguay casi siempre es post mortem, así que mmmm, no se…

Si trascienden serán mejor cuidadas, no por cultos sino por inversores, pero cuidadas al fin.

5. ¿Qué es para vos el arte?

Una buena forma sensible de decir cosas.

6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??

Depende el momento pero en general es una búsqueda mas interior.



7. ¿Cómo es tu proceso de creación?

Soy muy geométrico, así que generalmente busco estructuras, líneas, ejes y ahí comienzo.

8. ¿Cuáles son los materiales que más te gusta usar??

Pinturas acrílicas, aunque de vez en cuando utilizo algún componente electrónico para algo más kinetico.

9. ¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??

Me interesa obras de Magela Ferrero, Juan burgos, Sanjo Rodríguez, Mendizabal, Conde, Verges, Seveso, Iturria, Invernizi y Uria entre otros.



10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?

Placer pero con esfuerzo y compromiso.

11. ¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?

Solo

12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?

Estoy enviando obras continuamente al exterior.



13. ¿A qué te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?

Solamente al Arte, y logro vivir de la pintura.

14. ¿estás trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?

Si quiero trabajar en el espacio público.

15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) --Que te hubiera gustado que te pregunten? --Que te hubiera gustado responder?? --Hagase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…

Mmmm, no lo sé, quizás sobre cine.























"Paralasbrisas" Museo se arte contemporáneo, 
Montevideo 1996.







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Famosos artistas latinos en Little Rock
2153A.jpg
El Centro de bellas artes de Arkansas (Arkansas Arts Center) con su sede en Little Rock, presentará entre el 6 de julio y el 19 de agosto, un exposición exclusiva y de primerísima calidad, de famosos pintores latinos.
Bajo el titulo de “Selecciones de la colección del Banco Interamericano de Desarrollo” se mostrarán 66 obras de gran calidad, seleccionadas de un total de 1,700 obras de arte de propiedad del BID que incluyen pinturas, dibujos, fotografías, trabajos en fibra, esculturas y artesanías y que son una muestra de cómo el BID ha contribuído al desarrollo de América Latina y el Caribe.
Las 66 obras que se exhibirán en Little Rock representan a artistas de 26 países miembros del BID. Entre ellos Rufino Tamayo y Diego Rivera de México, Diego Masi de Uruguay, Fernando Montes de Bolivia, Mauricio Lasansky de Argentina, Roberto Sebastián Mata de Chile, y Wilfredo Lam de Cuba.
La entrada a la exposición es gratuíta en el Arkansas Arts Center, ubicado en la esquina de las calles 9 y Commerce de Little Rock de 10 AM a 5 PM de martes a sábados y de 11 AM a 5 PM los domingos entre el 6 de julio y el 19 de agosto. Para más información pueden también llamar al 501-372-4000. 
http://www.ellatinoarkansas.com/content.cfm?ArticleID=2153
Catalogo: http://idbdocs.iadb.org/wsdocs/getdocument.aspx?docnum=2157558
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"Arte en América" Colección del Banco Interamericano de Desarrollo,
Palacio de la Moneda, Santiago de Chile, Diciembre 2010.








La muestra, que se presenta desde el 17 de diciembre de 2010, es la más grande hasta la fecha-y la primera en nuestro país- realizada con estas obras de gran valor artístico y significación en tanto representación de las diversidad cultural del continente así como de las ideologías, sensibilidades y movimientos sociales que han marcado su desarrollo y transformaciones durante el siglo XX.
La selección incluye a artistas de 28 países americanos con el fin de contribuir al reconocimiento de su obra visual y a la valoración del extraordinario patrimonio artístico desarrollado durante un siglo en América, y , por otra parte, entregar una visión global de las diferentes tradiciones, procedencias, influencias e innovaciones que confluyen en su arte moderno y contemporáneo.
Entre los autores se cuentan los íconos del pop norteamericano Andy Warhol y Roy Lichtenstein; el vanguardista cubano Wifredo Lam; los chilenos Roberto Matta, Mario Carreño, Samy Benmayor, Matilde Pérez y Juan Downey; el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín y los mexicanos Guadalupe Posada, Rufino Tamayo y David Alfaro Siqueiros, considerado el padre del muralismo.
A través de diversas técnicas y formatos – pintura, grabado, fotografía, escultura, e instalación- la muestra permite contactarse con las inquietudes y costumbres de los distintos pueblos, como ocurre con las ilustraciones populares de Guadalupe Posada (México, 1852-1913), las figuras musicales y cubistas de Emilio Pettoruti (Argentina, 1892-1971), la revalorización del mundo indígena y precolombino de Oswaldo Guayasamín (Ecuador, 1919-1999) e Yves Telemak (Haíti, 1960), la traducción de los mitos ancestrales en las esculturas de Edgar Negret (Colombia, 1920) y los retratos infantiles y documentales de Gilvano Swasey (Belice, 1975) y Claudia Andujar (Brasil,1931).
Los movimientos migratorios, los conflictos políticos y sociales, la globalización cultural - que afectan a todo el continente- se plasman también en las propuestas de los artistas, cuyas obras interactúan en el montaje incorporando distintas influencias y discursos: las pinturas lúdicas y coloridas de Roberto Matta (Chile, 1911-2002), los bodegones tropicales de Amelia Peláez (Cuba, 1896-1968), el carácter afrocubano en las pinturas de Wilfredo Lam (1902-1982), la presencia folklórica y cotidiana de Rufino Tamayo (México, 1899-1991) y los ritmos constructivistas de Eduardo MacEntyre (Argentina 1929), Jesús Rafael Soto (Venezuela, 1923-2005) y Roy Lichstentein (Estados Unidos, 1923-1997) entre otros.




  exposición virtual: http://www.chilexplora.com/tour/ccplm/arteenamerica/














1- Institución visitada: 

1.1- Nombre, ubicación : Centro cultural palacio La Moneda, ubicado en Plaza la ciudadanía. 

1.2- Descripción del espacio expositivo : dos salas para la exposición "arte en américa" .Lugar acogedor, de tonos cálidos. Paneles que creaban diferentes cuartos donde las obras eran expuestas. 

2- Persona Entrevistada: No hubo entrevista. 

3- Exposición Visitada: "Arte en América" 

Descripción de la muestra: A través de diversas técnicas, esta muestra da cuenta de la diversidad identitaria de América, así como del devenir cultural que caracteriza al siglo XX en el continente. 

Más de 200 obras pertenecientes a las colecciones de arte moderno y contemporáneo del Museo de las Américas de la Organización de Estados Americanos (OEA) y del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) llegan por primera vez a Chile para dar vida a la exposición ARTE EN AMÉRICA organizada por el Centro Cultural Palacio La Moneda, con la curatoría de Soledad García y Alex Meza, miembros del equipo del Centro de Documentación Artes Visuales del Centro Cultural. 

Es la muestra más grande hasta la fecha-y la primera en nuestro país- realizada con estas obras de gran valor artístico y significación en tanto representación de las diversidad cultural del continente así como de las ideologías, sensibilidades y movimientos sociales que han marcado su desarrollo y transformaciones durante el siglo XX. 

Entre los autores se cuentan los íconos del pop norteamericano Andy Warhol y Roy Lichtenstein; el vanguardista cubano Wifredo Lam; los chilenos Roberto Matta, Mario Carreño, Samy Benmayor, Matilde Pérez y Juan Downey; el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín y los mexicanos Guadalupe Posada, Rufino Tamayo y David Alfaro Siqueiros, considerado el padre del muralismo. 

4- Registro visual: imágenes. 

5- Análisis y comentarios de la muestra: 

5-1. Reflexión crítica y comentario Personal : Fui espectadora de 200 obras americanas. Definitivamente la mejor muestra a la que he asistido y de la que he sido testigo. Vi diversidad de técnicas, de colores y sobre todo de mensajes. Una de las obras que más me llamo la atención fue "reza por nosotros" de Luis Gonzalez Palma (Guatemala), quien combino la fotografía y la técnica mixta, fotografiando pies y tatuarlos con escritos. 

Otra de las obras que fue de mi agrado, "Ascendente geométrico" de Diego Masi de Uruguay, el cual me recordó el trabajo que hace Tim Burton (director de cine) combinando el blanco y negro, en un tipo de ilusión óptica, estéticamente muy prolija y bella.

















IDB


Cultural Center
Inter‐American Development Bank (IDB)
1300 New York Avenue, NW
Washington, DC 20577








The Cultural Center of the Inter-American Development Bank (IDB)
announces the opening of the exhibition

LATIN AMERICAN ARTISTS OF ITALIAN DESCENT 
ARTISTAS LATINOAMERICANOS DE ASCENDENCIA ITALIANA 
ARTISTI LATINOAMERICANI DI DISCENDENZA ITALIANA


August 15 to October 21, 2011

Aug 12, 2011

IDB Cultural Center to exhibit Latin American Artists of Italian Descent







First of several IDB cultural activities to honor the 150th anniversary of the Unification of Italy


The Cultural Center of the Inter-American Development Bank will host the exhibition "Latin American Artists of Italian Descent," 

which will be open from August 15 to October 21, 2011, featuring 25 works by 18 artists drawn from the IDB Art Collection.

The selected artists come from Latin American countries with a significant Italian migration, and the exhibition will illustrate the 
cultural synergy that has intertwined the destinies of Italy and Latin America for more than five hundred years.


The exhibition will include works by Héctor Borla, Sergio Camporeale, Ricardo Crivelli, Eduardo Medici, Emilio Pettoruti, and 

Rogelio Polesello (Argentina); Lyria Palombini (Brazil); Roberto Sebastián Matta (Chile); Umberto Giangrandi (Colombia); 
Francisco Amighetti (Costa Rica); and Javier Bassi, Miguel A. Battegazzore, José Belloni, Enrique Broglia, Pedro Figari, 
Antonio Frasconi, Diego Masi, and Carlos María Tonelli (Uruguay).


The works were selected by Félix Angel, Director and Curator of the IDB Cultural Center. The Center has invited Cristina Rossi, 

Professor of Latin American Art and researcher at the Julio E. Payró Institute for the Theory and History of Art of the University 
of Buenos Aires, to cooperate as guest essayist for the catalogue.


In her essay, entitled “Art inTransit: Artistic Exchanges Among Italian and Latin American Artists,” Dr. Rossi explains the 

continuity of old and new traditions in the development of the region’s modern artistic identity. According to her, “the mutual 
influences of Italians and Latin Americans cannot be understood simply by tracing names or ancestral ties for vestiges 
of ‘Italian-ness’ devoid of historical context or conflict. Those influences are properly grasped only by acknowledging the 
accumulated knowledge and experience that seeped into the culture and expanded in the course of dialogue, creation, 
and negotiation.”


The exhibition will be on view between Monday through Friday, 11:00 a.m. to 6:00 p.m,from August 15 to October 21, 

2011, at the IDB Cultural Center Gallery, 1300 New York Avenue, NW, Washington, DC 20577. For other events please 
visit the Center’s site www.iadb.org/cultural









































Uruguay Muestra Su Arte Contemporáneo en
Corea del Sur




EFE - miércoles, 11 de julio
Seúl, 11 jul (EFE) .- Una Exposición Que Muestra Varias Piezas representativas del Arte Contemporáneo uruguayo FUE inaugurada Hoy en la galería de Baiksong en Seúl, Con El Fin De La Marca ProMover Uruguay y El Trabajo de los artistas de Este País.
Segun informó a Efe una La Embajada uruguaya en Seúl, la Muestra Acoge El Trabajo de artistas de como Bernardo Korzeniak, Nelson Romero, Diego Masi, Walter Aiello y Marcelo Mendizábal.
Este Grupo de Artistas exhibe Por Vez Primera Su arte en Corea del Sur, Dentro de Una gira Asiática Que los llevó apuestas iniciales China y Japon Por, Los Otros dos countries Principales de la Región.
En la exhibición destacan Entre El Conjunto de 30 Obras Títulos Como "Tango", de Korzeniak, "Animal" y "enredado" de Masi, "Dance Mojado" de Aiello y "Campesino y Guitarra" de Romero, Que estaran Hasta El 29 de ESTA julio en galería del centro de Seúl.
Segun El Organizador de la Exposición, Álvaro A. Cirillo, El Objetivo de la Iniciativa es ProMover Uruguay ADEMÁS del Trabajo de los artistas uruguayos.EFE
EFE: La Primera agencia de noticias en español y la Cuarta del Mundo, Con Más de Sesenta Años de Trayectoria Que avalan Su imparcialidad, Su Potencia, Su Credibilidad Y Su inmediatez.


Sr. Daniel Martínez Trazosuy Director, Ms.Baik Baiksong Director Galería de Arte,
Dr. Atilano Gil Losada Uruguay Emmbassy Conselor en Corea,
Sr. Dongyol Baik Baiksong Director de Arte Galería,
Sr. Álvaro Cirillo Trazosuy Execituve Director
Copyright www.trazosuy.org

Baiksong Galería de Arte, Corea












Exhibition of Diego Masi, Promo Arte, Trazos uy,
Tokyo, Japan, 2008

























Convivencias, entrevista a Diego Masi
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Escrito por Cooltivarte





432-Geométrico-ZJ432-102cm x102cm - Imagen: http://diegomasi.blogspot.com/




Armó un desenfadado revuelo cuando allá por 1998 intervino el rígido monumento del Entrevero colocando lunares blancos en los opacos caballos. Sin embargo, desde el tiempo, Belloni pareció guiñarle el ojo para seguir produciendo. Y desde entonces entre pinturas, objetos, intervenciones e instalaciones varias, el artista plástico Diego Masi parece haber conseguido la contraseña para padecer la libertad de su arte, paseándolo desde Berlín a Santiago, y desde Punta del Este a San Juan de Puerto Rico.
Hoy nos cuenta sus “Convivencias” con Ana Campanella, su última exposición enmarcada dentro de la Galería SOA.
Diego Masi; egresado de Bellas Artes, alumno orgulloso de Ernesto Aroztegui, nos responde desde su bicrómico blanco y negro. Y COOLTIVARTE comparte con ustedes sus coloridas respuestas.


“…trabajar desde los opuestos y generar una suerte de código binario”

-¿Cuándo empezaste en el arte?
-Empecé desde muy chico a hacer dibujos y pinturas, pero pienso que próximo a los 20 años lo focalice de a poco hacia una intención más artística o con cierto rigor profesional, técnica y conceptualmente.


-¿Cuéntanos de que trata “Convivencias”, exposición con Ana Campanella?
-Esta es la primera vez que exponemos juntos, con Ana compartimos muchas cosas por ser artistas y pareja, el hecho de que nuestras obras convivan juntas es algo que se da naturalmente.
Aquí mostramos en lo que esta trabajando cada uno en el plano y en el espacio.

-¿Cómo llegas a exponer con Ana que tiene una técnica y formas diferentes a las tuyas?
-Esta es una muestra que surge gracias a la invitación de la Galería SOA. Tenemos técnica y forma de trabajar distintas, igualmente nos pareció interesante mostrar nuestros trabajos juntos.

-¿Por qué blanco y negro?
-El uso recurrente de la bicromía blanco y negro me sirve como apoyo estructural para trabajar desde los opuestos y generar una suerte de código binario.

-¿De qué manera surge una idea y llega a transformarse en obra?
-A veces bocetando en papel la idea… a veces no.
La obra cambia bastante de la idea original a la final.

-¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más?
-Lo que más hago es pintar con acrílicos sobre lienzo con pincel y aerógrafo, también estoy investigando obras que abarcan lo cinético generando movimientos con motores, sensores, mecanismos de inflados, etc.
Por otro lado he utilizado el ploter de corte para realizar varias intervenciones urbanas.

-¿Qué te interesa generar en el espectador?
-Primero trato de que me genere cosas a mi y lo que le pueda pasar al espectador lo siento bastante ajeno, sería muy difícil planificar reacciones en el público.

-¿Cuál es tu opinión de la escena local en cuanto a las artes plásticas?
-Creo que ha ido mejorando mucho con los años.

-¿Cuál es la relación del artista con las galerías, museos y público
-Las galerías siguen siendo muy pocas, las que trabajan con arte contemporáneo son un par, y para la mayoría de los artistas no es fácil acceder.
Con los museos pasa lo mismo, no muestran arte contemporáneo permanentemente salvo muestras especificas, los museos no adquieren obras contemporáneas ni tampoco las instituciones, con lo cual queda claro cual es el pensamiento. Sí las instituciones adquieren pintores muertos y consagrados por altísimas cifras.

-¿Crees que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte?
-Cada vez más, aunque la desinformación y el desinterés son grandes.

-¿Cuál es tu opinión de los coleccionistas en Uruguay?
-Son muy pocos.

- ¿Cuáles son tus referentes artísticos y por qué?
-Ernesto Aroztegui fue un gran referente por haber sido mi maestro en una formación atípica para la Escuela de Bellas Artes y para el Uruguay.

Un artista con una obra excepcional reconocida en el mundo y apenas en Uruguay.









-¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
-Yo vivo porque vendo en el extranjero en diferentes países.
Pero en el Uruguay no es nada fácil.

-¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
-En la música, teatro, cine, danza, etc. todo es válido… claro que el artista tendrá su responsabilidad por lo que hace.
El arte debiera ser una de las manifestaciones más libres, pero como solía decir mi maestro Aroztegui: ahora padezcan la libertad.

-¿Qué opiniones te merece el arte y las redes sociales?
-Pienso que las redes sociales aportan muchísimo sobre todo a la difusión de los hechos.
También hay artistas que crean obras a partir de las redes sociales.

-¿En qué otro proyecto estás trabajando actualmente?
-Estoy preparando una obra electromecánica que tiene que ver con la gravedad de las cosas en el sentido físico y emocional, que será presentada por septiembre en el Museo Mapi en forma colectiva.
Por otro lado estoy trabajando en la idea de una obra sonora que será inaugurada antes de fin de año en el espacio “Somos Sonido”.
También estoy preparando un envío de mis pinturas para la Opera Gallery que es una de las que me representa en el exterior.

Más información de Diego Masi:

http://diegomasi.com

http://diegomasi.blogspot.com





















Julio 2011
Five talented artists bring out the best of Uruguay on canvas

By JADE CHAN


Photos by AZMAN GHANI 

IT IS a country of only 3.4 million inhabitants, yet rich in artistic and cultural life, with a large tradition of writers, artists, painters, musicians, and scientists. 
Uruguay, a country little known to most Malaysians, is about to reveal some of its landscapes, celebrations, people and other fascinating elements as seen by five artists at the upcoming 5 Uruguayan Artists in Kuala Lumpur


Volume and movement: Pablo Sader admiring Diego Masi’s striking artwork called “Frontal”, an individually unique piece that, together with three other pieces – “Profiled”, “Search” and “Coiled” – form an impressive ensemble.



The art exhibition is organised by the Embassy of Uruguay, Soka Gakkai Malaysia and Trazos UY, a Canadian-Uruguayan organisation with the purpose of promoting Uruguayan culture abroad. 
“I believe this is the first time we’re exhibiting Uruguayan artists’ works in Malaysia, and hopefully not the last,” said Ambassador of Uruguay Pablo Sader. 
“This is just a sample of some of the contemporary artworks in Uruguay, and we have plans to carry out more arts and cultural programme in Malaysia next year.” 
The art exhibition features a series of paintings by five artists - Nelson Romero, Diego Masi, Martin Mendizabal, Marcelo Mendizabal and Walter Aiello - each with his own style, palette and personality. 
Self-taught artist Romero creates drawings of a rich intricacy and imagination, depicting a fantastic world populated by implausible creatures. 
A philosopher with vivid imagin ation, his artworks are displayed in many international museums and private collections. 


This exhibition features five of his “Masks” series, based on one of the deep-rooted Uruguayan traditions – Carnaval (carnival). 
“Uruguay’s Carnaval is different from Brazil’s Carnaval’s, and is the longest in the world, starting in Jan and ending in Mar,” said Sader. 
“It’s a Bacchanalian revelry with Candombe, the Afro-South American music which adds flavour to the celebration.” 
Masi creates geometry of his own in his black and white dotted and striped works, generating volume and movement. 
He presents four paintings for this exhibition that are individually unique, and altogether form an impressive ensemble. 
Sader explained that most of Masi’s paintings are inspired by the shapes of cattle, which is a source of wealth in Uruguay and featured in its coat of arms. 
Marcelo’s works have elaborate textures that create an almost textile feel to them. 
False and sometimes real threads and stitches join and harmonise in diverse shapes and colours, creating movement, constructing and deconstructing images. 
His brother Martin has his own unique style of painting, which he does on canvases that have been treated to resemble leather. 
His “Topographies of the Dream” series for the exhibition depict imaginary geographies seen from above, and are painted on textured canvases. 
Sader said that Martin’s paintings look like plots of land as seen from the sky, and resemble thumbprint ridges, or even human figures. 
Another artist who takes inspiration from the Uruguayan landscape is Aiello, whose focus is on its coastal area of endless sand dunes. 
His style incorporates soft pastel colours and stylised calligraphy, with strokes sometimes reminiscent of an early Picasso. 
“Uruguay is well-known for its wide, beautiful beaches. Located on the shores of the South Atlantic Ocean, these sandy beaches are pounded by the surf, and interspersed with bays and cliffs,” said Sader. 
“The landscape, however, is generally pampas – undulated grassland terrain. Uruguay’s highest point measures only 500m. 
“The northern area is covered with red earth, while the west coast is covered with rice fields.” 
The exhibition will be on display from July 30-Aug 5 at Wisma Kebudayaan Soka Gakkai Malaysia, 243 Jalan Bukit Bintang, KL. 
It is open to the public from 11am-6pm daily. For details, call 03-9075 6876.












Kuala Lumpur, Malaysia, New Sunday Times, July of 2007.








































































Made in Latin America





Sans titre by Wilfredo Lam 1973
Sans titre by Wilfredo Lam 1973                                     De frente by Diego Masi 2006



Modernism in Latin America began in the 1920's, during a time of social 
and political turmoil. Many intellectuals and artists traveled to the Old World, 
and although they were influenced by what they saw, these artists wanted to 
assert their countries identities and express their own artistic vision. Over the 
decades what evolved were works of art imprinted with each regions social 
and political ideals and native and folkloric themes, blended with strong 
European elements from Impressionism to Surrealism. The breadth of 
Opera Gallery's Latin American collection includes master painters and sculptors 
who have achieved international stature along with contemporary and emerging 
artists - all are featured in this "vasta exposición" .
Wilfredo Lam, considered to be one of the most important Cuban modernists, 

was a friend ofPicasso's. Lam's unique style is often described as a confluence 
of Cubism, Surrealism and Primitive art. Legendary in today's art world is 
Columbian-born Fernando Botero, whose paintings of corpulent men and 
women are the essence of his work. Post-modern artist Antonio Segui uses wit 
and humor in his paintings to interpret man's role in contemporary urban life, while 
Uruguayan artist Diego Masi challenges the optical effects of black and white in his 
abstract compositions. The boldness in the work of Chilean Surrealist Roberto Matta
 is in stark contrast to the chromatic tonalities used in Ruben Berland's mystical 
landscapes. Three-dimensional pieces in the exhibit include the undulating sculptures 
by Margarita Ferra and the powerful mixed-media constructions 
of Cecilia Moreno-Yaghoubi.







Reclining Woman by Fernando Botero 1998                                     

Reclining Woman by Fernando Botero 1998


2007-08-16 until 2007-08-31
Opera Gallery, Miami
Bal Harbour, FL, USA United States of America






























Press Releases / Press News

Opera Gallery Hosts Exhibition Of Contemporary Latin American Art


28 January, 2008 - Opera Gallery, supported by the DIFC Lifestyle Group, is hosting
‘Latin American Flavour', an exhibition that introduces some of Latin America's most
accomplished contemporary artists to Dubai. 
Ranging from greats, such as Fernando Botero, Romero Britto, Roberto Matta, 
Ruben Berland and Wilfredo Lam, to talented upcoming artists like Federico Uribe, 
Romero Britto, Ahmed Gomez and Diego Masi, the event showcases 12 artists from
Argentina, Chile, Colombia, Cuba and Uruguay.
The artists featured in the exhibition span a range of themes and artistic perspectives.
On one end of the spectrum are modern masters like Wilfredo Lam, who created his
own artistic approach by fusing classical Surrealism and Cubism with the spirit and form
of the Carribean; and Roberto Matta, an important member of the Surrealist art movement.
On the other end are younger artists like Romero Britto, whose neo-pop works blend
elements of cubism and graffiti painting; and the artist duo Marco Guera and Yasmina Alaoui,
whose "one thousand and one dreams" series combines photographic figure studies with
pen and ink patterns.
Abdulla Bin Sougat, Chief Executive Officer of the DIFC Lifestyle Group said: “Latin
American Flavour' provides audiences in Dubai an unprecedented opportunity to see a
rich and diverse selection of art that represents the true spirit of contemporary art in Latin
American countries. As part of creating a vibrant lifestyle experience within the Dubai
International Financial Centre, we are keen to support such exhibitions that serve to enhance the
creative and cultural ambience within the financial district and create opportunities for
audiences to engage with the very best of international contemporary art.”
The exhibition also features performances by Triburbana, a versatile group of Latin
American artists, who take audiences on a musical journey from Mexico to Argentina,
through a variety of instruments, folkloric rhythms and choreography. Triburbana's
performances give audiences a taste of the rich and colorful scenery of Latin America
and a fascinating insight into Latin American culture. Artists who are part of the band are
Emmanuel Alvarez; Maximiliano Aguirre; Paula Ruiz; Julia Ledesma Dall'Asta; and Cassiano de Sa.
The exhibition ‘Latin American Flavour' will run at the Opera Gallery in the Gate Village,
Dubai International Financial Centre (DIFC) until 5 February, 2009.
PR Date :  28-Jan-2009   




























 













Galeria CAF, Caracas, Venezuela, 2010















 Borderless Generation:
  Contemporary Art of Latin America

   August 2010


[5.jpg]  

The Korea Foundation Cultural Center is holding Borderless Generation: 
Contemporary Art of Latin America from July 17 through August 8. 
Held in conjunction with  the Latin American Cultural Festival, the exhibition 
will feature 28 artists from 16 countries and their artworks. It will be the 
occasion to explore the diversity of the Latin American contemporary arts.

Gallery guide is scheduled to be held every Wednesday and Saturday at 15:00 
during the exhibition period, and a special lecture will be given by the invited  
curator, Yoon Chea-gab, on July 17, Friday at 16:00. Those who wish to 
attend the lecure, please contact shpark@kf.or.kr for reservation.


































































Diario el Observador Domingo 29 de agosto de 1999.
Pintura en Portada: De la serie de las evoluciones:
"La razón y sus pasiones en evolución" 
Pintura acrílica sobre lienzo 180cm.x 180cm. año 1995.














"Historia de Caballos"
Intervención urbana sobre la escultura de 
Jose Belloni, Plaza Fabini, Montevideo,1998.

Obra seleccionada por el jurado del Salón Municipal de artes plásticas de ese año.
Autorizada por la Intendencia Municipal de Montevideo.

Técnica: adhesivo vinílico de corte blanco sobre el bronce.
Duración: 30 días.

















14 de Enero de 1999, Pagina 20, Espectáculos, Diario El País, Montevideo.

El entrevero de "El Entrevero"
Por Jorge Abbondanza.

A esta altura la polémica lleva un mes y medio, que es más de lo debido. Por ello la nota siguiente resulta una contradicción, ya que vuelve sobre un tema que debería cerrarse y cae así en el mismo exceso que pretende denunciar. Pero el cronista reconoce haber sucumbido a la necesidad de aclarar un par de cosas sobre el entrevero de "El Entrevero".

Como suele ocurrir en cualquier aldea, la intervención del artista plástico Diego Masi en la obra "El Entrevero" de José Belloni ha provocado un revuelo más duradero que la propia operación. Esa propuesta temporaria y de notoria brevedad, fue realizada a fines de noviembre y retirada a fines de diciembre de 1998. Consistía en pegar pequeños lunares de vinílico sobre las figuras de los caballos que integran Ia escultura: esos adhesivos se colocaron y retiraron esmeradamente, sin daño físico alguno para las superficies de bronce que los recibieron. La idea que Masi lleve a cabo fue un proyecto aprobado en su momento por Ia unanimidad del Jurado que actuó en el Salón Municipal de Expresión Plástica (integrado por Olga Larnaudie, Alfredo Torres y quien firma esta nota), y homologado luego por el intendente municipal Mariano Arana, de manera que I á intervención en "El Entrevero" forme parte de dicho Salón y coincidió con la muestra de las obras premiadas y seleccionadas que se exhibieron en el Centro Municipal de Exposiciones ubicado en Ia Plaza Fabini, junto a la mencionada escultura de Belloni. Producida Ia inesperada resonancia que obtuvo el hecho, parece oportuno efectuar algunas consideraciones al respecto:



UN0
Recientemente se divulgó (EL PAIS, 31 diciembre, pág.10) una carta firmada por 82 uruguayos, algunos de los cuales están vinculados al medio artístico. En ese texto se alude a Ia citada intervención en "El Entrevero" y se expresa el "rechazo a dicho acontecimiento, que ignora y lesiona Ia obra del maestro...". Curiosamente, la obra de Belloni no fue ignorada sino elegida por Masi, en merito a su vecindad con los espacios donde se desarrollaría el Salón Municipal. Tampoco fue lesionada, como puede comprobarlo cualquier observador que la examine actualmente. Sin que los 82 firmantes parezcan advertirlo, lo que en verdad se ignoró al difundir ese documento fueron los respetables antecedentes del artista interventor, un joven plástico uruguayo con abundante actividad y notorio reconocimiento por su labor creadora, que ha obtenido importantes distinciones durante los últimos años. Primer Premio en la Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes (1994), Primer Premio en el concurso organizado por EL PAIS a través  del Museo de Arte Contemporáneo para viajar a la Bienal de Venecia (1995), Segundo Premio en Ia Bienal de Salto (1996), Premio en el Concurso de Pintura del Ministerio de Relaciones Exteriores (1997), Primer Premio en el Salón del Banco Hipotecario del Uruguay (1997), Premio Fundacien B'nai B'rith (1998). Con esos antecedentes a la vista, resulta por Io menos hemipléjico defender los derechos de un artista nacional (Belloni) desestimando los de otro artista nacional (Masi).
   Es llamativo que Ia presunta lesión sufrida por "El Entrevero" y referida por Ia citada carta, no mencione Ia rotura del sable sostenido en alto por uno de los jinetes del monumento, que fue quebrado recientemente por Ia agresión de un grupo de hinchas de fútbol durante una de esas manifestaciones que se producen por calles céntricas luego de ciertos partidos. Cuando se cometió dicha mutilación], habrían hecho falta 82 firmas de uruguayos alarmados al pie de alguna carta que dejara constancia del episodio, pero sin embargo no hubo ningún rechazo colectivo por vía epistolar ante ese otro acontecimiento que "ignore y lesione" la obra del maestro, lo cual demuestra que la inquietud de algunos ciudadanos por la preservación del patrimonio y por los derechos que amparan a una obra artística, constituyen un impulso ocasional y no una vigilancia permanente. De lo contrario, los 82 uruguayos (o bien otros 82) podrían haber firmado una segunda carta donde se emitiera un llamado de alerta ante el lastimoso estado de conservación de otras obras del propio Belloni, como "La Carreta" del Parque Battle  que según informe publicado por Ia prensa montevideana (Búsqueda. 30 diciembre, pág. 33) "sufre desde hace años problemas de mantenimiento. A roturas en la base donde apoya el caballo del carrero, se ha ido agregando Ia inclinación de parte de esa figura. El heladero y el fotógrafo que trabajan usualmente en ese lugar trataron de enmendarlo, atando el pie del jinete a Ia rueda de la carreta".
   Se ignora el nombre del heladero y del fotógrafo, pero con la mencionada iniciativa ambos merecerán integrar la lista de intervenciones urbanas realizadas sobre obras expuestas en espacios públicos. Actuaron con notable buena voluntad, aunque sin conocimiento de Ia obligación de consultar a los titulares legales de los derechos de autor sobre la obra afectada por esa precaria (aunque muy meritoria) operación de salvataje, cumplida para mitigar los efectos del descuido de quienes deberán responsabilizarse por el estado de conservación del monumento.



DOS
El articulo 16 de la Ley de Derechos de Autor señala que "después de la muerte del autor, el derecho de defender la integridad de la obra pasara a sus herederos...", añadiendo luego que "ninguna adición o corrección podrá hacerse a la obra, ni aún con el consentimiento de los causahabientes del autor, sin señalar especialmente los pasajes agregados o modificados". Aunque el artículo refiere obviamente a obras literarias (por el empleo del vocablo "pasajes") es aplicable por extensión a obras de otra índole, como las esculturas, y constituye una exigencia que no tuvieron en cuenta ni la Intendencia Municipal, ni Diego Masi, ni el Jurado del Salón, ni el heladero ni el fotógrafo del Parque Battle, que operaron o permitieron operar sobre las mencionadas obras de Belloni.
   Esa omisión es indiscutible y el descendiente de Belloni que protesto por el suceso de "El Entrevero" así lo hizo constar cuando anunció que emprenderá una acción
legal contra Ia Intendencia Municipal (El Observador, 17 diciembre. pag. 2). Menos compartible resulta la suposición expresada por ese mismo heredero cuando dijo (Busqueda, 8 enero, Fig. 46) que Diego Masi "procure autopromocionarse a costillas de otro artista", presunción de un móvil que ese descendiente considera incorrecto "...desde el punto de vista ético". Los antecedentes de Masi no merecían esa desconsideración, pero es probable que quien formula dichos cargos no conociera la carrera previa del destinatario de sus reparos, cuyo prestigio seguramente "ignoró y lesionó" con tales sospechas. Una notoria abogada uruguaya entrevistada sobre el caso de "El Entrevero" contestó que "...se incurrió en una acción  no legal", a lo cual —en un nivel más emparentado con reflexiones morales que con cuestionamientos jurídicos— corresponderá agregar que si bien Ia ley es siempre obligatoria (y eso está fuera de toda discusión) en cambio no siempre es respetable, Un ejemplo de ello es el proyecto de nueva Ley de Derechos de Autor que actualmente se encuentra a estudio de los parlamentarios uruguayos, y que contiene dobleces, trampas y riesgos ampliamente divulgados. Otro ejemplo es la legislación de ciertos países actuales y famosamente civilizados: hace dos meses en Inglaterra se condene a muerte a un perro por haber ladrado a un cartero, quien cursó Ia denuncia luego de recibir esa agresión sonora; hace un mes, el presidente norteamericano Bill Clinton confirmó su apoyo a In pena de muerte que todavía rige en varios Estados de su país. Por otra parte, Uruguay llega al umbral de un nuevo siglo sin disponer de una Ley de Protección a los Animales, vacío que podría merecer una carta firmada al menos por 82 ciudadanos. Los derechos de autor están por el momento debidamente protegidos, pero en una sociedad honorable y sensibilizada esos respaldos deberán coexistir con otros derechos que en eI Uruguay no siempre se encuentran amparados por Ia legislación.

TRES
Llama la atención que en el caso de "El Entrevero" se invoque reiteradamente la ley de Derechos de Autor mientras frente a la misma Plaza Fabini una de las obras mayores del arquitecto Julio Vilamajó (el edificio de La Madrileña) fue enmascarado en la década del 60, quedando enterrado para siempre dentro de un gran cajón frontal. Ante ese previo "ataque" o "ultraje" cometido contra la obra de otro maestro nacional, cabe preguntarse si los descendientes de Vilamajó (había más de uno en la época de esa intervención arquitectónica) no invocaron los derechos que les asistían y si no pudo haber 82 observadores dispuestos a solidarizarse con Ia obra así desfigurada, a pesar de que en ese caso no se trataba de un agregado fugaz sino permanente y tampoco se llevaba a cabo una labor incruenta sino una alevosa sepultura.
   También llama la atención que Montevideo se conmocione vivamente en el caso de "El Entrevero" cuando (salvo excepciones para contar las cuales bastan los dedos de una mano) suele permanecer inoperante, desentendido y silencioso ante atentados como: la demolición de monumentos irrecuperables (Palacio Jackson, Bazar Colón, Mercado Central, Teatro Artigas), la demora de 27 años y medio en reconstruir el Estudio Auditorio, el proceso ruinoso del ex-Hotel Nacional y ex-Facultad de Humanidades, la tale de valiosísimos ejemplares del arbolado de Ia ciudad, Ia reforma de la Avenida 18 de Julio culminada en 1972 que hizo desaparecer los árboles y las estupendas columnas de alumbrado, la lividez del nuevo diseño sufrido por la Plaza Varela o la Plaza de los Treinta y Tres, la capa negra que se le impuso hace 15 años al calco de bronce del David de Miguel Angel, arruinado por esa inexplicable mano de pintura contra la cual no se publicaron cartas de celosos firmantes.
   El provincianismo que aflige a ciertas actitudes montevideanas se revela justamente ante las intervenciones urbanas, como si se ignorara lo que sucede en In materia en el resto del mundo, donde dichas acciones a cargo de eminencias del arte plástico ya no sorprenden a nadie: el búlgaro Christo Javacheff y su mujer han empaquetado grandes estructuras (desde puentes colgantes haste el Reichstag berlines), el argentino Nicolas Garcia Uriburu tiño de verde el gran canal de Venecia. Con esas obras se llama la atención del público sobre el valor emblemático de un edificio a sobre la contaminación de una reliquia lacustre, y así los artistas modifican (pasajeramente, igual que en la Plaza Fabini) un paisaje urbano, reavivando la capacidad de percepción del público y estimulando su diálogo visual con ciertas obras. Hasta un calificado columnista que discrepó con la propuesta de Diego Masi, reconoció que "...me hizo detener largamente frente a "El entrevero", coma pocas veces lo había hecho" (EL PAIS, 28 noviembre, pág. 7).
   Intervenir en el texto de una obra teatral es una operación frecuente y a menudo radical, desde Ias variantes impuestas en escena par Heiner Müller al Hamlet shakespeariano (en su pieza Hamletmachine) o las introducidas en cine por Peter Greenaway a La tempestad (en Prospero's books) hasta los robustos cambios efectuados en Montevideo por Hugo Marquez a La vida es sueño de Calderon de Ia Barca o por Antonio Larreta y Dervy Vilas a Fuente ovejuna de Lope de Vega. En el propio panorama arquitectónico montevideano se han realizado intervenciones múltiples que afectan Ia linea, la integridad, el carácter y la escala de ciertos edificios venerables, desde las fachadas de Villa Muñoz y el Barrio Sur policromadas atrevidamente por Ia Escuela Nacional de Bellas Artes, hasta las alas laterales que a fin de siglo se añadieron al Teatro Solís o el pabellón que actualmente se construye en el Museo Zorrilla, sobre los cuales cabría discutir ampliamente.
   Pero en el campo de las intervenciones podrían citarse otros nombres ilustres: los compases de la Marcha militar de Franz Schubert introducidos por Igor Stravinsky en una de sus obras, el tema central del himno Deutschland, Deutschland über alles incrustado en una composición de Joseph Haydn, Ia pirámide de vidrio del arquitecto Pei Ieoh Ming plantada en medio del patio del Palacio del Louvre, las dos figuras infantiles (Rómulo y Remo) agregadas en el siglo XV a la Loba Capitalina, escultura etrusca que había sido emblema de la antigua Roma.

CUATRO
En materia de intervenciones capaces de alterar una obra, habría que hablar de los graffiti que manchan tantos nobles edificios montevideanos y unos cuantos monumentos (el de Simón Bolivar y el de Juan Zorrilla de San Martín, ambos sobre Ia rambla) que están así desde hace tiempo sin que se alcen brazos pare lavar la agresión. Si "El Entrevero" hubiera sido iluminado con nuevos focos de colores, se hubiera elevado la plataforma que lo sostiene o se hubiera cambiado el horrible color celeste del estanque que lo rodea, el cambio habría sido tan visible como los lunares de vinílico, pero seguramente en esos casos no se habrían producido cuestionamientos, quizá porque se tratara de modificaciones más rutinarias. Lo que asusta no es to irrespetuoso o lo agresor
(como aducen algunos que interpretan mal lo sucedido) sino lo inesperado, lo innovador, lo sorprendente. La Ley de Derechos de Autor puede ser una excusa perfecta para sacralizar el temor ante los cambios, aunque sea asimismo (nadie lo niega) un recurso legitimo desde el punto de vista jurídico.
El verdadero peligro para Ia cultura artística de este país no radica empero en Ia intervención pasajera efectuada sobre una escultura, sino más bien en los achaques de una escala de valores por culpa de los cuales la aptitud y la maestría pueden canjearse por la improvisación, el oportunismo y la mediocridad. Pero ese riesgo también consiste en el desconocimiento y la indiferencia con que se postergan ciertas exaltaciones al talento  en el descuido con que puede menospreciarse ese talento o puede borrarse Ia memoria de muchos creadores desaparecidos.
Existen grandes patrimonios arrinconados fuera del alcance del público, con los cuales no saben qué hacer los herederos de algunos artistas mayores: cientos de cuadros de Juan Ventayol seguían hasta hace poco apilados en casa de su hermana, cientos de pinturas de Guiscardo Améndola han estado desde hace décadas depositados en casa de su viuda, sin que dos generaciones de uruguayos que no conocen la producción de esos maestros tengan acceso a semejantes tesoros invisibles. Por falta de recursos, de información o de voluntad política, las instituciones públicas no se hacen cargo de tales legados ni de las condiciones en que las respectivas familias los mantienen: harán falta cartas firmadas por integrantes del medio artística (con 82 sería suficiente) pare sacudir la aletargada conciencia de una sociedad que a veces solo quiere ver Ia punta del iceberg (como en el caso de "El Entrevero") y otras veces solo ve la paja en el ojo ajeno y no la viga en el propio (coma en el caso de "La Carreta").
De todas maneras es algo positivo que Ia gente se mueva en torno a un pequeño fenómeno del arte como la intervención en la Plaza Fabini, así sea para tratar de descalificar a un Jurado de veteranos profesionales, a un joven plástico nacional y a las autoridades que impulsaron un salón de expresión artística, como si se tratara de un grupo de irresponsables, porque al menos se demuestra que esas ocurrencias visuales no pasan desapercibidas. Sería mejor aún que el movimiento de protestas se expandiera y resultara  útil pare rescatar tantos talleres y acervos en peligro de deterioro o de perdida, que sirviera pare estimular los grandes homenajes retrospectivos que merecen (y no han recibido) algunos maestros como Cabrera, Longa o Barcala, ya que entre los firmantes de la carta aludida figuran pintores, escultores y hasta parientes de artistas. Por el momento sin cuestionar el respaldo legal que asiste en el caso a los herederos de un escultor y sin discutir el derecho de cada uno a opinar como mejor le parezca, las cases que se han dicho sobre el caso de "El Entrevero" son ante todo síntomas de una bienvenida libertad de expresión, privilegio que corresponde a todo ciudadano, aunque algunas de esas expresiones podrían ser confundidas por observadores suspicaces con un acto de fundamentalísmo, tendencia perteneciente a la esfera de la intolerancia que consiste en obstinarse con las razones propias sin atender las razones ajenas, en sobresaltarse ante un hecho aislado sin conmoverse igualmente frente a hechos de gravedad similar aunque ubicados en la vereda de enfrente.
   La mejor respuesta a tales indicios debe ser en cambia la tolerancia: aunque pare quien firma esta note el interés que posee la obra escultórica de Belloni sea moderado y desigual, sin alcanzar el nivel de algún otro uruguayo de su época como Juan Manuel Ferrari, merece toda consideración, por lo cual cree que deberían tomarse medidas urgentes para restaurar "La Carreta", reponer el sable quebrado de "El Entrevero" y neutralizar el ingrato color de in fuente que envuelve la base de ese monumento. La misma tolerancia puede ser útil para defender el derecho de todos, sin suponer intenciones espurias en nadie; también puede servir para recordar que en este medio cultural todo el mundo viaja a bordo del mismo barco y debe colaborarse con quienes reman si es que se aspira a que el barco navegue, en lugar de fomentar discordias capaces de vararlo o de provocar un naufragio. Aunque tal vez algunos prefieran que los Salones oficiales no vuelvan a hacerse y la gente pase de largo ante las esculturas implantadas en lugares públicos: esa alternativa seria más sencilla más  apagada y seguramente más inmóvil, como conviene al aire embalsamado de una aldea.

Jorge Abbondanza









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