INSTALACIONES




DIEGO MASI / 3a Bienal de Montevideo / 2016 / Flashlight 




En la solemnidad del Salón de los Pasos Perdidos, concretamente en las puertas que conducen a la Cámara de Diputados y a la Cámara de Senadores, se presenta Flashlight con lo cual el espectador es interceptado por una instalación lumínica compuesta por un centenar de baldes negros que son utilizadas en diversos trabajos. El artista toma la luz como material de trabajo, como fuerza que reactiva una memoria inmediata, genera una zona de activación lumínica cuya emisión da cuenta de pasos, de los infinitos pasos que han pasado por este salón a lo largo de su historia. Estos pasos registrados mediante un circuito electrónico nos dan la oportunidad de reconocernos y de ser recreados en estos reflejos. Masi afirma: “es en este contexto que decido incorporar el objeto electrónico y de uso contemporáneo pretendiendo dar luz de alguna manera real y metafórica al espacio que encierra una gran parte de la historia política del Uruguay. Esta es una intervención, de contrastes y reflexión acerca de los múltiples sentidos sociales y políticos que pueden disparar en estos receptores, así como se dispara la luz flash. El contraste entre el mundo de lo inmediato, urgente, repentino, fugaz y el de la historia, tradición y solemnidad de un pasado retenido en materiales nobles, estáticos e imponentes”.
Jacqueline Lacasa.






3a Bienal de Montevideo.
Autor: Diego Masi (Uruguay)
Título: Flashlight
Técnica: Instalación lumínica y sonora.
Medida: Variables
Año: 2016
Materiales: 100 Baldes negros de obra, Flash led, Acrílicos blancos opacos circulares, motores sopladores, detectores de movimiento, controladores audioritmicos y cable blanco.

Esta obra cuenta con el apoyo de: 
www.formacril.com.uy 
led.pemai.com

Alfons Hug, (Alemania) curador general, Jacqueline Lacasa (Uruguay) co-curadora
29.09.2016 — 04.12.2016
Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo.
MONTEVIDEO, URUGUAY.

Flashlight es un proyecto que busca indagar y otorgar nuevos sentidos a la luz en relación y contraste con un espacio cargado de historia, solemnidad y simbolismos de dimensiones diversas como el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, edificio de arquitectura neoclásica conocido también como Palacio de las Leyes.
La propuesta consiste en presentar y hacer percibir esa luz jugando con la quietud, lo estático de las grandes columnas y los soldados del batallón Florida, que escoltan cada puerta de acceso a ambas Cámaras, el frío del mármol que tiene un peso no sólo material sino también simbólico. Partamos de la construcción histórica del sentido de la luz, su percepción es una experiencia sensorial con aspectos tanto físicos como emocionales. La intensidad cambiante de ésta y su variedad de colores, han ido conformando el significado emocional y cultural de la luz. Recordemos que antes, en la América prehispánica los espejos eran los captores de nuestros rostros que los reflejaban a través de las imágenes. Hoy ya en una era digital, las cámaras captan los retratos a través de la luz, aunque aquí solamente hay flashes colocados dentro de baldes usados para la construcción, que trabajan como vehículo para iluminar la imagen. Actualmente podríamos decir que la tecnología también puede operar y trabajar para el engaño visual o conceptual.
Estos dispositivos lumínicos, que responden al sonido se usan normalmente para fiestas, pero aquí irán insertados dentro de baldes que son usados para tareas de la clase trabajadora. Recordemos que la construcción del también llamado Palacio de las Leyes, insumió casi tres décadas, es un edificio neoclásico griego, cuyas fachadas, paredes interiores, bóvedas y columnas están recubiertas de mármol procedente de diferentes puntos del país. 
Los baldes, con sus flashlight que incluye esta propuesta, ordenados de manera predeterminada dentro de ese espacio con tanto peso en los sentidos expuestos, logran ese contraste, la luz ilumina en este caso la rigidez, la solemnidad, el estatismo, pero se mueve con flashes que destellan o no, según el movimiento que en él pueda producirse.
El sonido de los pasos disparará los mecanismos de las luces que saldrán desde dentro de los baldes y seguirán en destellos a senadores, diputados o visitantes que transiten por este espacio. En la nave central está el Salón de los Pasos Perdidos, con dos bóvedas de cañón corrido y majestuoso lucernario, que separa los dos hemiciclos en los que sesionan las cámaras de senadores y diputados. Las paredes de ambas salas están totalmente forradas de nogal y caoba, y de esas maderas tan nobles, también son las bancas que ocupan los parlamentarios.
En este contexto es que decido incorporar el objeto electrónico y de uso contemporáneo pretendiendo dar luz de alguna manera real y metafórica al ingreso donde sesionan Diputados y Senadores, puertas que encierran una gran parte de la historia política del Uruguay.
Como artista busco, de alguna manera generar un pensamiento a través de la luz de la obra, es  una visión diferente al sistema político, una mirada reflexiva en donde los sensores irán persiguiendo y detectando con un sentido de urgencia a la persona que transite por este salón. La idea no es la de representar esta arquitectura a través de la obra sino usar la luz como un medio expresivo ya que ésta no es palpable pero sí visible y ese aspecto me interesa en esta instalación, aunque las piezas que la generan son bien notorias y marcan un sentido y un lugar determinado de la clase trabajadora. El poder persuasivo de los medios de comunicación de masas, los efectos de la propaganda política y del código comercial de los actores, aparecen anulados entre sí, tal como se representa en una parte sonora de esta obra en donde se reproduce mecánicamente el sonido del agua.
En suma, se trata de una intervención, de contrastes y reflexión acerca de los múltiples sentidos sociales y políticos que éste puede disparar en los receptores, así como se dispara la luz flash. El contraste entre el mundo de lo inmediato, urgente, repentino, fugaz y el de la historia, tradición y solemnidad de un pasado retenido en materiales nobles, estáticos e imponentes. 

Diego Masi


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VERTICALIDAD
MUSEO BLANES
9 de julio, al 3 de octubre de 2016.

Instalación electromecánica.
Micromotores vibradores, piano vertical, sensor de movimiento y cables.










Verticalidad es una obra que reflexiona sobre las interrelaciones generadas por una situación geométrica, actuada por la vibración de los cables y su continuo movimiento, buscando un paralelo con el orden personal donde todo interactúa y se mueve de algún modo, generando cambios propios de la complejidad humana.
Los mecanismos electromecánicos generan una vibración en un viejo piano vertical en desuso, que con la proximidad del público comienza a resonar como una caja acústica repleta de historia y simbolismo de una época pasada.
La representación interpretada por mecanismos electromecánicos, me permite de alguna forma escenificar y coreografiar la existencia de estos actores autómatas que responden a la presencia, con sensores de movimiento, en una suerte de escenario enmarcado en la solemnidad del Museo Blanes
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PROTOCOLO
ESPACIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Marzo / Mayo de 2016.

Instalación electromecanica y sonora.
Materiales: Hormigonera, martillos, cordones de goma, detector de movimiento, secuenciador, roldanas, micrófonos y amplificadores.





En el ordenamiento social y en las intenciones de someter las actuaciones protocolares de una forma ordenada y procesada por los diferentes actores, surge la idea de esta obra escénica visual, mecánica y sonora.
El golpe de un martillo en esta instalación opera como un sinónimo de violencia deconstructiva.
El sonido generado por los impactos sobre la pared, es captado por micrófonos de vibración que transforman y amplifican esta percusión generada por una herramienta simbólica como lo es el martillo, utilizada también incansablemente como emblema político.
En el otro lado de la sala, una hormigonera, herramienta considerada como constructiva, se enciende con la presencia del espectador y genera otra situación sonora diferente y contrastante. Ambas están  unidas por cables de goma, aislantes y elásticos, a lo largo de la sala, siendo una responsable del movimiento de la otra.
Protocolo, reflexiona sobre el construir y deconstruir, es una obra que encierra mensajes a través del sonido y que lleva a cabo esta transmisión de datos, desde el enfoque de la persona que recibe sus ideas, es decir, en qué medida podemos actuar sobre nuestra cotidianidad acercándonos a una posición más reflexiva.
La huella marxista está presente en esta obra y en el pensamiento, pero con los matices característicos de una nueva evolución. La concientización del espectador es la forma de búsqueda a través del pensamiento, para una renovación de ideas autónomas que sean capaces de fomentar nuevos conceptos.
La tecnología lleva al registro, a la complicidad del espectador, al desarrollo de dispositivos para captar esta realidad y a la creación de un lenguaje con narrativa propia.

Diego Masi.





Interview with Diego Masi, Contemporary Art Space. 
 


My formation was in Ernesto Aroztegui's workshop in the Fine Arts School.
I am a graduate from that school, it was a pretty particular workshop.
I was attracted to experiment in different techniques on different searches.
That took me a bit more to the electromechanic's subject, to a search of more technically risky situations or to a challenge on this matter.
'Protocol' is a work of installation in which the public is going to enter and a dialogue is going to happen, there will be a pair of sensors that will activate the mechanisms according to the public's entrance.
Basically this is it, is a pretty simple installation, a concrete mixer that generates movement which for me has the connotation of a constructing machine and it connects through the rubber cords.
There are six cords ligated to six hammers that will be hitting on the wall, the opposite wall to the concrete mixer and the hammer with the symbology that it has, or that I understand in this case, as a destruction tool ligated to the construction tool, but basically is on one side a technically simple artwork but on the other side complex in the execution of the settings. Now justly I am on that part of the settings.
Every hammer is going to have a microphone, those sounds are going to be amplified by two amplifiers.
There I also feel interested in that search of sound on a dialogue to the public.
How to achieve the part that covers the sensory aspect, which generates this exhibition, or I think it will generate.
The concrete mixer, that is a very powerful machine versus the hammers, plus the sound, that is what interests me, basically that is it. Like a metaphor.
It is called 'Protocol' because of those steps that usually exist on society, as much in architecture as in the social system, there are these steps to follow, in this case how a construction leads trough other ways to destruction,
is an idea that I like to leave open so the public can have it's own lecture, not to close it to anything specific.
It is the reuse of already existent objects, in this case hammers, concrete mixers, other times I have worked with car's aerials, the electronic ones.
I am interested in exploring what is already working in some way, apply it to another way and generate a whole new language in the sense of an expression based on a certain theme.
 This part may be complex on the use of technology, it is a technology (in all of my setups), like a low technology, on the technological sense.
Sometimes I have worked with 'arduino' but it is too simple on the technical setup anyway.
There is a devise which cuts every thirty seconds and those sensors detect you and once you have been detected, the sequence of turning on and off keeps operating so it does not continue working all the time, in a few seconds it turns on again.
On the paintings is more systematic, but not in this kind of electromechanic artworks. It takes me a lot of time to reach an idea.
Then it starts being processed and so it keeps changing during the development of the work, when I start to work with engines or with the machines sometimes it does not end up with the results that you expected or the engines cannot simply resist. 
The idea is to transform a quotidian object which does not always stand the transformation that is what I meant and sometimes yes,  and that causes the piece of art to change, even right here there were some changes  in ways that where not possible or that could not technically resist and then just making some adjusts yes, in this process the experimentation takes a lot of time, to see if it really works.  
One of the hardest things and that worries me the most is that once the installation has been made it cannot fail it is quite common on technological artwork, when you go it does not function.
Let's say that technology is like a bulb that works until it stops working, it gets burnt but there is a way to prevent it anyway, bulbs can be changed so the situation can be prevented.
Usually the idea comes first, and taking base on it the piece of art starts progressing, the work forces to change the idea a bit, but in most of the cases it does not happen.
In this specific case the idea was not to work with the prison theme so attached to the prison idea although you get into the Protocol's installation today and you will find hammers trying to break a wall down, but what I really want is a piece of art that can be applied to any situation and not necessary to a prison.
In 'Protocol' the idea was a bit like that, the constructive machine versus the destructive tools, this was the general idea of the installation.
I was also interested in connecting the parts by rubber cords since rubber is an insulating material and conceptually is a material that perfectly works on this installation. I do not know which the public's reaction will be, plenty of times it surprises me a lot how the artwork generates on the viewer interpretations that have not even come to my mind.
Once the piece of art has been finished it is as if it was unconnected to me, or at least this is the feeling I have sometimes, in this kind of artwork specifically... What I do the most is to paint, to make installations; I have also made videos and interventions on public spaces.
Last year I made one in Paraguay in the Asuncion's Art's Biennial where I worked over Artigas's sculpture and back in the ninety-eight in Montevideo I made another one over José Belloni's sculpture sticking circles on it.
Before that, in the ninety-five I was invited to the 'Centre Theatre' where the headquarter of the M.A.C.  had place, it was the first exhibition I made and it was an electromechanic's installation because of a painting's prize that I won, María Luisa Torréns invited me to exhibit, they were expecting  paintings but I showed up with a windscreen's installation that is also on YouTube.
I rescued a register of this exhibition, I mean, the first exhibition of this kind that I made but I always painted, always made electromechanic's artwork , since I was little I felt attracted to electronic objects, I used to investigate and disassemble them all by myself, they hardly ever worked again but on my youth, when I was sixteen or seventeen I used to fix the neighbor's home appliances, I loved to take things apart and it still fascinates me to disassemble a fax to see what does it have on the inside, the other day I opened my HTC's cellphone and it never worked again.  





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LINEALMENTE


Galería SOA arte contemporáneo
Montevideo, Uruguay.


Junio / Julio de 2015






 Julio de 2015
Galería SOA arte contemporáneo
L i n e a l m e n t e / Site –Specific
Galería SOA arte contemporáneo
Montevideo, Uruguay.
Constituyente 2046
de lunes a viernes de 14 a 17 horas
Galería SOA arte contemporáneo cumple 5 años y lo festeja inaugurando Intermezzo, espacio alterno que sonará entre las exposiciones temporales del año. Presentaremos proyectos de artistas o colectivos buscando una programación multidisciplinar que potenciará nuestro objetivo de impulsar el arte contemporáneo.
Diego Masi será el encargado de inaugurar esta nueva propuesta, con un Site-Specific el día 16 de junio a las 18 hs.
www.soa.com.uy Dirección: Vivian Honigsberg. Producción y asistencia de montaje: Ana Gotta.
L i n e a l m e n t e
La relación de la línea y la manera en que hacemos las cosas con ella dibujada o escrita es parte del acto fundamental en el momento de gestar un lenguaje, la línea en esta instalación funciona como un material de trabajo de la misma forma que la electricidad y el sonido. Geométricamente podemos entrar en un mundo en donde las ecuaciones nos podrían demostrar sus condiciones y sus teoremas bien complejos. Cuando mezclo todas estas teorías de ciencia y tecnologías físicas con elementos de la vida cotidiana es que trato de buscar dentro de mis propios códigos un lenguaje de expresión visual que represente un cuestionamiento sobre el estado actual de las cosas y como éste se modifica frente a nuestra presencia. La electricidad es un vehículo insertado como operador silencioso para un movimiento mecanizado que a la vez se transforma en sonoro. La línea está representada en este espacio expositivo como vinculo de nuestra condición humana a través de mecanismos disparadores, con una tecnología primaria pero suficiente para conjugar los elementos necesarios. De esta manera dejo abierta la interpretación del espectador y muestro la alteración de las formas geométricas donde el uso de los materiales industriales puede transformarse en elementos reflexivos para una obra hecha en un sitio específico.
Diego Masi.





















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GEOMETRÍA DE GOMA

Sala punto de encuentro, Ministerio de Educación y Cultura, Montevideo.
Diciembre 2014








Los cuerpos geométricos permanecen inalterados por las transformaciones continuas producidas por las poleas y sus motores, propiedades de los espacios topológicos y las funciones que no se alteran.
Es una geometría sin medidas, llamada también geometría de la membrana de goma, puesto que las figuras siguen siendo las mismas aunque las sometamos a deformaciones.
Este trabajo articula escenarios donde representación e invención se encuentran para generar lecturas inesperadas dentro de los lenguajes geométricos, buscando desarrollar una poética que cuestione nuestras nociones convencionales. Me interesa además maniobrar en la intersección entre las sintaxis figurativa y abstracta, para repensar la imagen como un territorio sembrado de potencial para la imaginación y la asociación metafórica.
La tensión geométrica generada por los cordones negros de goma y la variable mínima de la forma son parte importante en este trabajo. La electromecánica da sustento a la figura geométrica en movimiento, estableciendo una relación entre el tiempo y la forma.
Diego Masi


Materiales: cordones de goma negra, motores, sensor de movimiento, corriente eléctrica, y cables.
M.E.C., San José 1116




Video de la instalación.
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GESTOS DE APARENTE SIMPLICIDAD

Centro Cultural Dodecá, Montevideo.

Septiembre de 2014




















En el escenario de la cotidianeidad los gestos buscan reflexionar desde el lenguaje corporal hasta la situación coreográfica generada por la mecánica de la obra, sucediendo ejercicios que no hacen otra cosa que marcar las ausencias, usando el vacío de la ropa para moverse físicamente a través de la corriente eléctrica.
La tensión geométrica generada por los hilos negros y la imposibilidad de ese encuentro a través del tiempo son parte importante en este trabajo.
La electromecánica dando sustento a una parte de la figura humana, estableciendo una relación metafórica de la representación física.
El juego de la memoria se pone a prueba para poder completar las figuras de gran similitud a través de tantos pares de botas iguales, de este modo podemos retener información por repetición, es decir, si existe un hecho que se repite una y otra vez lo recordaremos.
Gestos de aparente simplicidad despliega diversos acercamientos a una compleja idea de disolución, una preocupación por la representación de lo que ya no está. Pero no se trata solamente de la evanescencia física sino también de la desaparición como práctica y como modo de actuación.

Diego Masi

Materiales: botas de goma blanca, motores, sensor de movimiento, corriente eléctrica, cuerdas y cables.


Instalación electromecánica.
Exposición individual del artista Diego Masi.
Centro Cultural Dodecá, San Nicolás 1306, Carrasco.
2600 08 87 Montevideo. La exposición permanecerá hasta el sábado 4 de octubre y se puede visitar de lunes a sábados en el horario de 10 a 21.
































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EXISTENCIAS
Museo zorrilla, Montevideo.

Tan ilustrados como… 
Arte y política o la política de las artes
Septiembre de 2014



La relación entre Arte y Política (o la política en las artes), exige una visión -otra- actualizada a la realidad cambiante del siglo XXI. La incorporación de varios discursos; y la conjugación de dos tópicos aparentemente antitéticos, una visióntradicionalista de PATRIA, (decimonónica, consensuada en un largo proceso de asimilación e imposición cultural), y otra ¿opuesta? no clasificable, especie de aberración, definida magistralmente por Ángel Rama como: LO RARO, (aunque su calificativo fuera aplicado al campo de las letras), pueden ser hoy extrapolados a otras manifestaciones artísticas.
En los jóvenes estados nación latinoamericanos la idea de patria e identidad son diseñados por el poder político gobernante con el apoyo de varios artistas. En nuestro país, el sitial de pintor de la patria y escritor de la patria respectivamente fueron ocupados, a partir de la síntesis política del "centenario de 1930”, por Juan Manuel Blanes y Juan Zorrilla de San Martín. Esta relación entre poder político, patria, imaginario e iconografía, funda las bases de la relación del arte y la política, pudiendo encontrarse semejanzas conceptuales que se repiten hasta el día de hoy. En todo discurso que se construye existen varias alternativas, la elaboración de otros relatos, la negación, o la deconstrucción programada de los mismos. Generalmente se ha asociado arte y política a obras y acciones producidas en los años 60, o a trabajos de resistencia cultural que enfrentaron la censura de la época dictatorial contemporánea. En esta exposición ampliamos el campo visual, haciendo dialogar obras actuales, con obras históricas, teniendo en cuenta que la misma se desarrolla en la casa Museo de Juan Zorrilla de San Martín. Museo y escuela cívica, reformulado en el Año de la Orientalidad (1975), y que, casi sin renovaciones conceptuales, se mantiene incambiado hasta el día de hoy.
Señalamos como guía tres obras separadas tanto en el tiempo como en su concepción disciplinaria. El Paraguayo de Juan Manuel Blanes, óleo académico nacionalista, uno de los ejemplos de arte político, transformado en fetiche momificado por la historiografía nacional que utilizó políticamente las obras de Blanes, en la creación simbólica del estado nación uruguayo. El documental etnográfico Crónica de un Verano de Jean Rouch y Edgard Morin con su pregunta: ¿es usted feliz? visión revolucionaria del cine-verdad que influencia toda la generación de la Nouvelle Vague francesa, anticipando los eventos del Mayo francés del 68 y la implementación del foquismo. Y una singular edición braille deTabaré de Juan Zorrilla de San Martín perteneciente al acervo del museo.
Basado en la metodología del sociólogo francés Edgard Morin (pensamiento complejo); estructurando la muestra en sistemas multi-trans-disciplinarios, como forma de explorar otras opciones de elaboración de discursos curatoriales o museológicos. 
Las fracturas del canon se producen cuando un artista decide probar nuevas formas de construir su obra explorando los límites de lo posible. Lo mismo podríamos aplicar a los presupuestos curatoriales; pensarlos en clave transdisciplinaria, produce un extrañamiento en el espectador, transformándolo en participante dinámico de la construcción del relato de la exposición. Este proyecto se apoya en obras más que en carreras artísticas, con el fin de elaborar una propuesta, que ponga de manifiesto la complejidad del discurso político dentro del campo visual, literario o cinematográfico. Una iconografía conformada por el diálogo entre historia y contemporaneidad, con un criterio amplio del término, una forma de introducir preguntas o ruido también a la visión de arte político sesentista, (también canónica), opuesta a la postura tradicional. 

Jorge Francisco Soto, curador.































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AUTONOMOS
Centro de Exposiciones Subte, Montevideo.

Agosto de 2014.










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ORGÁNICO

Enlace Arte Contemporáneo, Lima, Perú.
Instalación electromecánica
Abril de 2014

Este trabajo incursiona en la dramatización a través de mecanismos que se representan en una suerte de teatro autómata, la interacción entre las formas de carácter orgánico son una metáfora de la propia existencia, una sucesión de ejercicios respiratorios comandados a través de cables, automatismos y sensores que crean el movimiento al combinar de forma sucesiva el inflado y desinflado.
Esta obra se apoya en el lenguaje de la teatralización, convirtiéndola en una pieza que opera desde las tensiones acumuladas de los materiales hasta la suavidad de la brisa de un motor. De estos elementos es que se nutren las formas, buscando una geometría inquietante en el espacio.
La representación actuada por estos mecanismos electromecánicos me permite de alguna forma escenificar y coreografiar la existencia de actores que responden a la presencia humana a través de sensores de movimiento.





























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AUTONOMOS

Museo Figari, Montevideo.

Septiembre de 2013.

Intemperie

Ciclo de Intervenciones Artísticas



Año a año el Museo Figari propone el diálogo entre las creaciones artísticas actuales y el legado intelectual de Pedro Figari, mediante ciclos expositivos (denominados “Contactos”) y llamados abiertos a la intervención de los patios interiores del museo.
Estos llamados reciben el título de Intemperie (del latín intemper?es, que tolera las acepciones “desigualdad del tiempo” y la más corriente “a cielo descubierto”), ya que los proyectos expositivos que allí se realicen deberán tener en cuenta las inclemencias ambientales de un espacio sin techo y brindar un análisis -de lo natural y lo artificial, de lo persistente y lo degradable- desde la perspectiva del arte contemporáneo.
Pero a diferencia de las convocatorias anteriores que abordaban las relaciones del hombre y la naturaleza según el pensamiento figariano, en esta tercera edición se buscó promover una reflexión sobre arte y diseño tomando como punto de partida la actuación de Pedro Figari en la Escuela Nacional de Artes y Oficios.
Pedro Figari fue nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios entre los años 1915 -1917. En ese breve lapso tuvo oportunidad de poner en práctica sus concepciones filosóficas y estéticas vertidas en su tratado Arte, estética, ideal (1912) y llevar a cabo una importante reforma educativa. Entre otras acciones tendientes a modernizar la enseñanza, bajo su dirección se eliminaron los castigos y el sistema de internado, se duplicó el número de talleres (introduciendo talleres mixtos) y se sustituyó el concepto de aprendiz técnico por el de obrero-artesano. Desde el punto de vista de los contenidos, impulsó un retorno a las fuentes iconográficas regionales (culturas prehispánicas) y promovió la investigación en materia prima, flora y fauna autóctona, ya sea como fuente de inspiración o como sustento material de las creaciones artesano-industriales.


Pablo Thiago Rocca
Director Museo Figari




“Esta obra busca el diálogo con el movimiento de Figari en sus formas y sus trazos desde las distintas facetas de su pensamiento filosófico que aún nos desafía. La respiración de estas formas blandas es la metáfora de un pensamiento vivo y continuo.
Aquí los materiales industriales son parte de una concepción donde los oficios, las artes y la industria se mezclan con los materiales contemporáneos sometidos a la intemperie.”

Diego Masi, Agosto 2013.


Museo Figari, Juan C. Gómez 1427
+598 2915 7065 - 2915 7256, Montevideo, Uruguay.
http://www.museofigari.gub.uy/

Materiales: Motores soladores, cables, secuenciador de tiempo, detector de movimiento y tela negra cocida.




     








































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EMISOR

Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.





Tercer premio 55º Premio Nacional de Artes Visuales


El jurado conformado por la arquitecta Cristina Bausero, el artista Carlos Capelán y el crítico, 
historiador y curador brasileño Paulo Herkenhoff.

Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo.

La comunicación es el proceso mediante el cual se puede transmitir información de una entidad a otra. "Emisor", es una obra que juega con la metáfora de la comunicación y el intercambio de sentimientos, opiniones, o cualquier otro tipo de información. Todas las formas de comunicación requieren un emisor, un mensaje y un receptor destinado. 
La instalación de las antenas formando una horizontalidad en la pared trata de alcanzar el mayor número de espectadores posibles, es como si tratara de tocarlos a través de su mecanismo telescópico, el público dará un paso atrás para no ser interceptado por estas.
Obra y espectador enfrentados en un dialogo de reacción física a través de un sensor que lo detecta y reacciona ante la presencia del público.
El funcionamiento de las sociedades es posible gracias a la comunicación, se ha visto como estos procesos  pueden contribuir al desarrollo de una comunidad y transformarla socialmente, también las esferas de poder la utilizan como arma de dominio hacia la sociedad, ya sea bloqueando la comunicación o modificándola a su conveniencia. 

Ficha técnica:

Autor: Diego Masi.

Titulo: "EMISOR"
Técnica: Instalación electromecánica.
Materiales: Antenas automáticas de automóviles, sensor detector de movimiento, procesador Urdino y cables conectores.
Medidas: 350 cm ancho x 120 cm (antenas desplegadas)
Noviembre de 2012







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MECANISMO ANALÓGICO
Centro Cultural Marte
Montevideo, Agosto de 2012.








Los esfuerzos representados en esta máquina, de mecanismo analógico que busca representar los logros de la inutilidad, en una mecánica que utiliza elementos de la comunicación telefónica como una representación de la descomunicación y todos los esfuerzos que la sociedad hace por estar más comunicada.
Los antiguos cables telefónicos, son parte de una tecnología prácticamente en desuso en tiempos que la comunicación móvil era prácticamente imposible, pero seguramente era mucho más verdadera y la sociedad funcionaba con otros códigos.
Buscando reflejar realidades sociales, políticas y también actitudes como la perseverancia o emociones como la frustración.
Una dosis de humor e ironía que no siempre ofrece una respuesta, y lidia también con emociones como la decepción y la frustración. 

Diego Masi












































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EXTENUADO
Centro Municipal de Exposiciones Subte.





Esta obra reflexiona sobre las ataduras y límites impuestos, haciendo analogía a situaciones emocionales.
Es un mecanismo resignificado que se alimenta de corriente eléctrica y opera a través de un micro motor y un sensor de movimiento como vinculo para crear un disparador reflexivo sobre la mecánica gestual del personaje.
Un dialogo de opuestos y contradicciones marcados por los cables donde el límite del movimiento genera la sensación de cansancio, teniendo una respuesta frente a la presencia humana comenzando una búsqueda infructuosa y continua por soltarse de las ataduras.

Montevideo, Febrero de 2012.











































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HERMÉTICOS

Museo de Arte Moderno de Chiloé, Chile.
Centro cultural estación Mapocho, Santiago de Chile.




El aire como vehículo para dar sustento a la figura humana en una instalación de personajes inflables en movimiento, que buscan reflexionar desde el lenguaje físico corporal en una situación coreográfica, realizando ejercicios respiratorios que no hacen otra cosa que marcar las ausencias humanas usando el vacío de la ropa de protección para ser llenado por aire a través de corriente eléctrica.
Trajes herméticos diseñados para aislarnos de las situaciones tóxicas capaces de encerrar nuestro cuerpo y actuar como separadores del entorno, estableciendo una relación metafórica de la representación humana.

Diego Masi.

Materiales: mamelucos de polipropileno, motores sopladores, secuenciador de tiempo, sensor de movimiento y cables.
Marzo de 2012



installation

Air as a vehicle to give sustenance to the human figure in an installation of inflatable characters in motion, seeking to reflect from the physical body language in a choreographic situation, doing breathing exercises that do nothing more than point out the absences human using protective clothing vacuum to be filled by air through electric current.
Airtight suits designed to isolate us from toxic situations able to lock down our bodies and act as separators of the environment, establishing a metaphorical relationship of human representation.

Diego Masi.


Materials: polypropylene Mamluks, blowers motors, time sequencer, sensor cables and movement.  
March 2012.



































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RETRATO INVOLUNTARIO

Centro Cultural Kavlin, Punta del Este, Uruguay.





    







Instalación

Es una obra expresada en un contexto kinético que se apoya en el lenguaje de la teatralización, la trama y el registro de una situación amplificada y con márgenes cada vez más marcados desde una proyección hacia varias direcciones.
Convirtiéndola por momentos en una trágica pieza que opera desde las tensiones acumuladas de los materiales hasta la suavidad de la brisa de un motor, de estos elementos es que se nutre el espacio buscando un retrato involuntario.

Este trabajo incursiona en la dramatización a través de mecanismos que se representan en una suerte de teatro autómata, la interacción entre las formas es una metáfora de la propia existencia, una sucesión de ejercicios respiratorios comandados a través de cables, automatismos y sensores que crean el movimiento al combinar de forma sucesiva el inflado y desinflado, buscando un ánimo reflexivo y cuestionador.
Cabezas de caballos cortadas y exhibidas como trofeos de cacería que accionan movimiento cuando el público se acerca.
El sonido de esta instalación es creado por el golpe de las gomas sobre las cuerdas de guitarra que es captado por doce micrófonos y potenciado por dos amplificadores de guitarra. Los soldados operan como reguladores de las notas de las cuerdas buscando un sonido dramático y reflexivo.



"PORTRAIT INVOLUNTARY"

Centro Cultural Kavlin, Punta del Este, Uruguay.

installation

It is a work expressed in a kinetic context that relies on the language of the staging, plot, and the registration of a situation amplified and margins increasingly marked from one projection to multiple directions.
Making at times a tragic piece that operates from the accumulated tensions of the materials to the softness of the breeze of an engine, of these elements is the space that draws a portrait looking involuntary.

This work broaches the dramatization through mechanisms that are represented in a sort of automaton theater, the interaction between the forms is a metaphor for existence, a series of breathing exercises commanded by cables, automation and sensors that create the moving successively combining the inflation and deflation, seeking a reflective mood and questioning.
Horses' heads cut off and displayed as hunting trophies that trigger movement when the public is coming.
The sound of this installation is created by the blow of the rubber on the guitar strings is picked up by twelve microphones and powered by two guitar amplifiers. Soldiers operate as regulators of the notes of the strings looking for a dramatic sound and thoughtful.



Centro Cultural Kavlin.
Punta del Este, Uruguay.
Enero de 2012.




  





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COEXISTENCIA
Bienal internacional de Arte SIART 2011, La Paz, Bolivia.

Las coyunturas en el arte contemporáneo establecen ciertas tradiciones y rigideces que requieren una coexistencia de los lenguajes y una apertura hacia las nuevas vías de expresiones y conceptos, ligadas a una historia reciente riquísima donde el pasado y presente coexisten y dialogan en un mismo territorio donde las regiones son completamente diferentes y que se desconocen.
El arte latinoamericano es la interconexión de escenas locales aisladas entre sí durante décadas, la incorporación de muchos artistas a los circuitos internacionales y el crecimiento de las diásporas de artistas en Europa y Estados Unidos. A esto habría que sumarle la sensación de pertenencia ya no a una comunidad idealizada por los proyectos del pasado, pero a un bloque geopolítico complejo, en plena convulsión y emergencia. 
Sobre esa idea de identidad latinoamericana Gerardo Mosquera lo dice de modo inmejorable: "El arte latinoamericano vive hoy uno de sus mejores momentos, sobre todo porque está dejando de ser arte latinoamericano".
"Coexistencia" es una representación que intenta abarcar mucho mas de lo estipulado en el orden de lo político social latinoamericano, es la referencia de las interrelaciones que genera una situación mundial donde todo interactúa y se mueve de algún modo generando cambios propios de una complejidad contemporánea.
La representación actuada por mecanismos electromecánicos me permite de alguna forma escenificar y coreografiar la existencia de estos interpretes autómatas que responden a la presencia humana a través de sensores de movimiento en una suerte de escenario teatral captado por la imagen del video.

Diego Masi 
"Coexistencia", 2011 
HD video color, sonido, loop (12')











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A PESAR DE TODO

Museo MAPI, Montevideo.


Este trabajo surge a partir de pensar sobre la gravedad física y emocional, el juego de las palabras Ingravidez/Grave/Gravedad.
Hilos negros están permanentemente subiendo y bajando a través de un mecanismo de micro motores, sistema de poleas y pesas.
Lo pesado, el peso de un pensamiento, lo que pesan las cosas, la capacidad de volver menos graves las cosas.
Diego Masi

Datos Técnicos:
Materiales: Micro motores, sensor de movimiento, sistema de poleas, pesas, luz direccional e hilo negro.
Dimensiones: 370cm x 200cm


Montevideo, octubre de 2011.








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MADREDEUS
 Montevideo, 2011.













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EXISTENCIAS
Museo Gallino.
IX Bienal de Salto, Uruguay.
Salto 2011.


Este trabajo incursiona en la dramatización a través de mecanismos que se representan en una suerte de teatro autómata, la interacción entre las formas puramente geométricas donde se genera una clara alusión a uno de los personajes más influyentes de la cultura norteamericana, el cual representa un modelo social y de pensamiento identificado con sus ideales y valores, que han sido transmitidos a casi la totalidad de las naciones del mundo. Un modelo que ayudó a establecer los cimientos morales de miles de personas a través de Mickey Mouse de Walt Disney.
“Existencias” es una metáfora de la propia existencia, una sucesión de ejercicios respiratorios comandados a través de cables, automatismos y sensores que crean el movimiento al combinar de forma sucesiva el inflado y desinflado, buscando un ánimo reflexivo y cuestionador a través de la imagen de uno de los personajes más arraigados en nuestra memoria infantil.

Montevideo, Abril de 2011











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FELICIDAD

E.A.C. Espacio de Arte Contemporáneo 
ex cárcel de miguelete.
Montevideo, 2010



Definir el concepto de felicidad es tarea ardua. Seguramente sea una de las definiciones más controvertidas y complicadas. El ser humano ha tendido siempre a perseguir la felicidad como una meta o un fin, como un estado de bienestar ideal y permanente al que llegar, sin embargo, parece ser que la felicidad se compone de pequeños momentos, de detalles vividos en el día a día, y quizá su principal característica sea la futilidad, su capacidad de aparecer y desaparecer de forma constante a lo largo de nuestras vidas.
Otra de las controversias en torno a este tema es dónde buscar la felicidad, si en acontecimientos externos y materiales o en nuestro interior, en nuestras propias disposiciones internas. Aún hoy es difícil responder a esta cuestión. Por esta razón, y desde un punto de vista psicológico, el estudio del bienestar subjetivo parece preferible al abordaje de la felicidad. Es la motivación, la actividad dirigida a algo, el deseo de ello, su búsqueda, y no el logro o la satisfacción de los deseos, lo que produce en las personas sentimientos positivos más profundos.
La felicidad, concepto con profundos significados, incluye alegría, pero también otras muchas emociones, algunas de las cuales no son necesariamente positivas (compromiso, lucha, reto, incluso dolor).
Durante la dictadura (1973-1985), en la cárcel de Miguelete fueron destinados presos políticos y luego fue, hasta 1990, un centro de reclusión de menores. Allí "estuvieron personas privadas de libertad por varias causas, por eso me parece simbólico que hoy haya aquí un espacio llamado “Felicidad”.
Punset cree que la felicidad es sobre todo ausencia de miedo, de allí que en esa búsqueda de amparo para escapar de la angustia del miedo y de la falta de sentido de determinados fenómenos que acontecían a su alrededor.
Presentar globos en un espacio de arte contemporáneo, pareciera que se transforman en objetos artísticos que evidentemente será, en una percepción visual alejada de conceptualismos, no es más que una suerte de objetos profanos que han devenido en objetos artísticos solo en virtud de su inclusión en este espacio, pretendiendo exorcizar de alguna manera a través de éstos, todo esa infelicidad de la reclusión.
En nuestra sociedad el “globo” es un objeto asociado a la felicidad, el festejo y la celebración. Este proyecto establece claramente la contradicción y pretende funcionar a través de esta. Los recintos carcelarios y particularmente el subsuelo de la cárcel de miguelete, fueron testigos de actos muy poco felices, de horror y mucho miedo.


El significado de los festejos en situación de reclusión, el ahogamiento y claustrofobia son el disparador inicial de este proyecto que pretende poner al espectador en una postura interactiva donde la persona entra a la celda en una situación de encierro aumentada por los globos que ocupan en sus primeros días aproximadamente el ochenta por ciento del espacio de la celda para que poco a poco se vallan desinflando y cayendo del techo los que permanecían suspendidos por el gas helio, culminando al cabo de varios días en una montonera de globos desinflados como una metáfora de la infelicidad que habito este edificio por tantos años.

Diego Masi 
                                                                                                                                 
                                                                                                                         


















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THE HORSE GALLOP



Históricamente, sin contar con las epidemias que hicieron estragos entre los habitantes del “nuevo mundo”, tal vez los caballos fueron el mejor recurso para las batallas con que contaron los españoles. Para los europeos era más fácil dar un buen golpe desde arriba del corcel, que para los americanos intentar acercarse desde abajo, donde las patadas de una bestia nerviosa estaban a la orden del día y podían ser tan eficaces como un sablazo.
Hoy, los caballos (de peluche) y la obra de Antonio Rossini se juntan en una progresiva banalización de los productos culturales, generando un resultado lógico en una sociedad que demanda una realidad consumible.
La gran popularidad de la obra de Antonio Rossini hace que termine inevitablemente en la mega industria china.
1829 “La Obertura de Guillermo Tell” de Gioacchino Antonio Rossini ha sido históricamente asociada a imágenes de violencia desde la propia Opera de gran extensión, e impulso dramático y lírico.
Resulta interesante encontrar similitudes en diferentes autores que eligieron la Obertura de Guillermo Tell, cuyas obras parecen distantes pero que definitivamente muestran rasgos que los distinguen como herederos de una tradición cultural y visual que logran reivindicar de alguna forma la memoria histórica de la violencia.
1933 “Llanero Solitario”, creado en por George Trendle.

1935 “The Band Concert”, de Walt Disney.

1971 “La naranja mecánica”, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick.

“The horse gallop” manufacturado en china por Yiwu Lingchao Toy Factory es un juguete resignificado y modificado electrónicamente en una situación coreográfica que busca generar la reflexión desde un punto de vista lúdico.

Diego Masi,

Montevideo 2010.








“The horse gallop”



















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Intervención 

Sala Zitarrosa

Globos y gas helio.
año 2010, Montevideo.




















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CUADRILÁTERO

Centro Municipal de Exposiciones Subte.



Instalación Salón Municipal de Arte,
Pinceles, motores y sensores de movimiento.
Montevideo 2004


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Premio Internacional de Pintura Fundación Batuz.
Museo Torres García, Montevideo, 1997. 







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PARALASBRISAS

Museo de Arte Contemporáneo. 



Montevideo, 1996. 
Dirección: Maria Luisa Torrens.
Asistencia técnica: Isabel Quesada.
Instalación electromecánica.
Materiales: Parabrisas de automóvil, micromotores, velas, cordones de goma, juguetes y objetos resignificados.

Sería excesivamente simplificante interpretar que la colección de objetos (ensamblajes, maquinarias del absurdo, o la etiqueta preferida) son metáforas referidas a la violencia implícita en accidentes automovilísticos. Esa violencia, evidente en los parabrisas rajados, perforados, craquelados, que sirven de soporte básico, es apenas pretexto. Refinada, displicentemente, la engañosa belleza de las obras multiplica las alusiones. Como altares de un culto practicado por motorizadas cofradías urbanas o de carretera, descubren otras posibilidades de la violencia. Sutiles neurosis obsesivas yuppimente trajeadas, celular en mano, precipitándose al estallido final. La delgadísima línea que separa (siempre usted, J. G. Ballard) un accidente automovilístico de primarias violencias afectivas, de una sexualidad tribal y sin tabúes. La violencia inexorable de la muerte (el definitivo, irreversible estallido final) marcado no sólo por los indicios traumáticos sino también por el rítmico transcurrir del tiempo. 
Diego Masi encuentra un tono impecable para formular esta problemática. No hay desbordes melodramáticos ni voluntarismos didácticos. Hay un incisivo manejo de lo poético, a veces paradojalmente delicado, que sin perder profundidad sabe hacerle guiños a lo cursi (velas con forma de corazón, pimpollos negros artificiales) o a lo adocenado (cables de goma, ventosas adhesivas, guirnalda de lucecitas blancas). Un manejo de lo poético que cuida abordajes elegantemente formalistas antes que contundencias expresivas: con una certera selección y conjugación de elementos significantes. El artista, proveniente de territorios pictóricos, parece amplificar sus cualidades creativas al asumir la espacialidad. Existe el antecedente de una muy buena instalación, junto a esta muestra, como evidencias determinantes. 

Alfredo Torres.















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